‘About art’ o el milagro hecho galería

La facultade de Belas Artes, la Escuela de Restauración o la Escola de Canteiros son, ya no solo en Pontevedra, sino en el ámbito artístico y creativo en general una auténtica referencia. Todo un potencial de la que esta ciudad todavía no ha sabido extraer todo lo positivo que desde esos centros se ha ido generando promoción tras promoción. Por increíble que parezca, desde el ámbito privado no se ha sabido canalizar toda esa energía. En los últimos tiempos varios proyectos han puesto en valor a esos nuevos creadores, el último de ellos la galería ‘About art’

Huérfana como se encuentra esta ciudad de la iniciativa privada a la hora de ofrecer espacios para la exhibición artística, de una manera incomprensible, todo sea dicho, ante su propia tradición artística así como por la presencia de centros de estudio vinculados con el ámbito creativo, la noticia de la apertura de este modesto pero interesante espacio, debe considerarse como una más que feliz noticia para Pontevedra. Dos jóvenes emprendedoras, María Díaz y Araceli Torres, son las valientes que han obrado el milagro, las que han abierto este lugar para la creación y la reflexión en un punto físico muy próximo a otros centros artísticos como el Museo de Pontevedra o la Fundación RAC. En la calle Pasantería, es hasta donde nos podemos acercar antes del día 30 de este mes para ver la exposición inaugural de esta galería. Una muestra que se puede entender como toda una declaración de intenciones de los principios que moverán el devenir de la galería ‘About art’. Hablamos de primar a los creadores más jóvenes, aquellos que todavía buscan su lugar en el ámbito de la creación, los que pelean por hacer de su discurso un lenguaje que permita explicar lo que acontece a su alrededor. Un bautismo de fuego para muchos de ellos que tendrán para siempre en el recuerdo a esta galería como aquella que les concedió su primera oportunidad para la visibilización de su trabajo, es decir, para sentirse artistas.

Todos ellos son parte de una especie de generación, algo a lo que solemos ser muy afines los que escribimos de arte, agrupando a diferentes nombres que coinciden, bien por su edad, por su licenciatura, o por su concurrencia a diferentes certámenes artísticos. Esto es lo que sucede con los participantes de esta muestra, cuya factura artística reconocemos los que hemos visitado la otra gran referencia del arte joven, ya no solo en nuestra ciudad sino en Galicia, como es el certamen de Novos Valores, en el que alguno de ellos participó de la selección final de su última edición.

Ocho | Este es el número de participantes cuyos nombres son Carlos Álvarez, Anabel Gaudioso, Gema López, María Maquieira, Begoña Mumary, Paulova, Bea Saa, Alejandra Sampedro y Santi Vega. Todos ellos vinculados por su formación, también por integrarse en una generación de edad similar nacida en torno a los años ochenta, pero sobre todo con mucho que decir en el mundo artístico. Sus lenguajes, unidos por una especie de vuelta a la tradición, es decir trabajando desde la pintura, la escultura o la fotografía adoptan, sin embargo, un lenguaje actual y además perfectamente personalizado en cada uno de ellos. Cada autor se singulariza de los demás, pero juntos confluyen en esa reivindicación de los lenguajes más tradicionales. Tampoco en ellos se puede ignorar cierta ironía, marcando distancia con ese lenguaje artístico en el que se mueven, pero también con la forma de acercarse a la sociedad, no dejando nunca de lado cierto tono crítico, que no hace más que enriquecer sus diferentes discursos, además de ofrecer al espectador una nueva mirada más fluida y completa de lo que nos rodea.

Su espacio es pequeño, pero su fondo de ilusión es grande, y es precisamente desde ese fondo desde el que María Díaz y Araceli Torres nos ofrecen todas estas nuevas miradas, las primeras de una larga lista que veremos en los próximos tiempos.

Publicado en Diario de Pontevedra 22/04/2012

Fotografía: Guille López

Arte con pasaporte pontevedrés

Din que non hai unha soa Galicia, senón tantas como galegos hai espallados polo mundo. A nosa arte non podía ser allea a esa circunstancia e así é como son moitos os artistas que dun xeito ou doutro deixaron e deixan a súa pegada en diferentes países. Xeografías que xa son un pouco nosas grazas a labor de todos eles. Sirva este percorrido pola obra dalgúns creadores pontevedreses, que levaron a nosa terra alí a onde a vida os levou, para honrar o traballo de moitos outros que  construíron un patrimonio que, pese a distancia, é parte do noso acervo cultural.

[repOrtaxe] A pegada pontevedresa espállase por moitos puntos do planeta. O noso xen migratorio afúndese tamén no ámbito da creatividade e traza así un percorrido desde Bos Aires ata Porto Rico ou desde o Xapón ata Río de Xaneiro

Poucos embaixadores máis poderosos pode amosar un pobo que os seus artistas. Homes e mulleres que desde o ámbito da creación levan parte do que somos polo mundo adiante. Un patrimonio que nos representa en numerosos países ata os que, por uns motivos ou por outros, se achegaron os creadores galegos. A condición de terra de emigrantes é un pulo máis para abordar esta situación. Moitas veces os nosos artistas deberon fuxir na procura dun ambiente máis propicio para amosar as súas virtudes, para desenvolver as súas linguaxes plásticas, pero para levalo a cabo nunca deixaron de lado a súa terra. En moitos casos foi todo o contrario, e esa distancia converteuse nunha sorte de saudade que multiplicou os efectos da súa creatividade.

Outra importante liña de traballo neste eido foi a dos artistas galegos que tiveron que fuxir tras a Guerra Civil, a maior parte deles cara América, sementando así, alén do Atlántico, aquela terra de pezas moi vencelladas a Galicia. Desde Bos Aires ata Nueva York, os artistas galegos buscaron o seu espazo, o lugar onde producir as súas obras tras fuxir dos efectos do alzamento. Creouse así unha forte ligazón entre estas dúas orelas atlánticas, que durante os últimos tempos propiciou unha mirada a cargo de diferentes institucións que levou consigo a materialización deste feito en importantes exposicións e estudos.

Así, o MARCO de Vigo artellou unha máis que interesante mostra comisariada por Carlos L. Bernárdez. ‘Dez artistas galegos no exilio latinoamericano (1930-1970)’ na que se estudaba e visualizaba o traballo de moitos dos que tiveron que fuxir cara alí. A Bienal de Pontevedra, en dúas das súas últimas edicións tamén puxo en valor este feito, a última delas baixo o comisariado de Santiago Olmo, ‘Utrópicos’, propoñía o diálogo entre artistas das dúas beiras atlánticas, mantendo unha parte da exposición adicada a aqueles que  ata alí foron e dos que o Museo de Pontevedra, sede deste evento artístico, e fiel custodio: Castelao, Arturo Souto ou Colmeiro, por citar a varios dos nomes de ascendencia pontevedresa.

Tamén na edición número 29 da Bienal de Arte, e co comisariado de Victoria Noorthoorn, se puxo o ollo no Cono Sur con Arxentina, Chile e Uruguai como espazos de reflexión, precisamente como varios dos lugares onde máis fonda foi a nosa pegada.

Co estoupido da Guerra Civil foron moitos os artistas que fuxiron cara diferentes xeografías. Desde Nueva York, ata onde foi Castelao nun primeiro momento para rematar en Bos Aires, a onde tamén foi Manuel Colmeiro, chegando máis tarde Laxeiro; ata Arturo Souto que se dirixiu a México, ou Ángel Botello, artista que naceu en Cangas, e que se instalou en Porto Rico tras pasar por varios países do Caribe. Foise así creando unha fonda rede de artistas procedentes da nosa provincia que foi colonizando todo aquel territorio ao que a nosa terra estaba tan próxima por cuestións do idioma, así como polos movimentos migratorios de tanta importancia naquelas primeiras décadas do século pasado. Non son, polo tanto, poucas as pegadas que éstes deixaron naquelas latitudes, sendo moitos os museos e institucións, ademais de coleccións privadas, as que agochan este tipo de pezas de orixe pontevedresa. Polo seu especial e dinámico ambiente cultural Bos Aires converteuse no gran referente. Alí confluíron pintores ou escritores como Castelao, Rafael Dieste, Colmeiro, Arturo Cuadrado, sendo na capital arxentina onde se atopan o maior número de pezas, tanto en espazos públicos como teatros ou en institucións como o Centro Galego de Bos Aires, onde hai unha extraordinaria colección de artistas como Castelao, Laxeiro, Colmeiro, xunto a outros referentes da arte galega como Álvarez de Sotomayor, Isaac Díaz Pardo ou Luis Seoane.

Nun tempo intermedio, entre aquelas décadas de posguerra e os nosos tempos actuais, hai que deterse en dous nomes nacidos en Pontevedra: o recentemente falecido Leopoldo Nóvoa e Jorge Castillo. Ámbolos dous, os grandes fachos da creación que alumearon a nosa cidade polo mundo adiante. Leopoldo Nóvoa instalarase en Montevideo, lugar no que comenzará a atisbar o seu proxecto artístico, que, naquel país quedará xa para sempre reflectido nunha espectacular obra: o ‘Mural do Cerro’ (1962-1964), unha peza desas que definen o que será a traxectoria dun artista case máis que falar do que andaba a facer naquel momento Leopoldo Nóvoa. A volumetría, os xogos da luz, a incorporación de diferentes elementos á superficie de traballo e ata un berro de denuncia sobre a sociedade, forman parte desta monumental peza, tanto no seu tamaño como na súa achega formal. A importancia da súa obra futura, e a súa longa estadía en París, fixeron que cidades como París, Dublín, Ginebra ou Berkeley teñan pezas do gran artista nado en Salcedo.

Jorge Castillo, pola súa banda, marcha coa súa familia exiliada a Buenos Aires, onde comenzará a súa andaina creativa, tras un paso por Madrid, onde entrará en contacto con pintores tamén se pon en relación con xente do cine, como Juan Antonio Bardem. Comeza a expoñer e a súa movilidade por Barcelona ou París vai cimentando unha personalidade moi prolífica no artístico desde diferentes territorios creativos. Ginebra, Berlín, Italia... Jorge Castillo vai deixando a súa pegada en todos eses lugares ata que, a finais dos setenta, se instala en Nueva York sendo moi ben recibido por diferentes coleccionistas americanos que impulsaron de forma decisiva a presenza da súa obra en institucións e coleccións.

Tanto Leopoldo Nóvoa como Jorge Castillo son un pouco unha especie de enganche de dous tempos. A longa vida de ambos solápase entre aquela xeración de posguerra e os nomes que hoxe están a ser os protagonistas dese arte con pasaporte pontevedrés: escultores como Francisco Leiro ou Fernando Casás, pintores como Antón Lamazares, Darío Basso e arquitectos como César Portela, son parte daqueles que manteñen ben alto ese facho de creatividade que xorde nestas Rías Baixas, berce da exportación artística en Galicia.

Publicado en Revista. Diario de Pontevedra 08/04/2012

Imágenes. Altar del Cementerio de Chacarita en Buenos Aires de Asorey, Mural en Galerías Pacífico en Buenos Aires de Colmeiro, Mural del Cerro en Montevideo de Leopoldo Nóvoa y Esculturas en Museo de Escultura en Río de Janeiro de Fernando Casás

De la generosidad

El Centro Galego de Arte Contemporánea inició hace un par de semanas un nuevo capítulo en su apartado expositivo. Tras la exitosa muestra de fotografía a cargo de Jeff Wall, estos días se nos convoca a una triple cita con muestras que indagan sobre ese complejo ámbito de la creación y la relación del artista con su sociedad. Precisamente es la muestra ‘De la generosidad’ en la que esta doble situación se hace más evidente, con la selección de numerosas piezas que forman parte de la exhuberante colección de la galerista Helga de Alvear.

No cabe duda de que hablar de coleccionismo en España es hablar de Helga de Alvear. Su galería de arte, próxima al Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, es uno de los referentes del arte que se exhibe en las galerías españolas, y por ella han pasado, en una inestimable radiografía de la actualidad artística internacional, varios de los artistas más importantes del panorama creativo. Implicada no solo en un acto crematístico, la pasión por el mundo del arte de nuestra protagonista la ha llevado a compilar una de las mejores colecciones de arte contemporáneo que hoy se pueden visitar en en el mundo.

‘De la generosidad’ es parte de esa colección que el CGAC, bajo el comisariado de su director, Miguel von Hafe, exhibe hasta el 17 de junio. Una extraordinaria oportunidad para revisitar varios de los iconos que se postularon dentro de la modernidad artística. Nombres que establecieron un debate, en un primer lugar meramente creativo, insertos en un nuevo tiempo estético, pero que, posteriormente, desde una serie de creadores se permitieron nuevas formulaciones en las que estaba implícita una crítica a esa modernidad recién creada, derivando en discursos llenos de tensión y de propuestas sumamente sugerentes.

Esta recopilación de trabajos se ha hecho con el atino suficiente como para no caer en la repetición de modelos y fórmulas ya analizadas en otras muestras planteadas alrededor de esta colección y ello nos permite un recorrido espectacular, que alcanza cotas excelsas al vislumbrar los trabajos fotográficos y de vídeo, que dejan bien a las claras cuál era la preocupación de Helga de Alvear, así como sus gustos, desde que adquiriese su primera obra en 1967.

Así es como uno no quiere despegarse de las espectaculares series de fotografías de Cindy Sherman, Hamish Fulton o Helena Almeida, ni dejar de mirar las videocreaciones de Gordon Matta-Clark. Pero junto a todas ellas, trabajos como los de Thomas Shütte, Josef Albers, Paul Graham, Hans Peter Feldman o Darío Villalba, por citar solo algunos de los autores en nómina, no hacen más que perpetuar nuestro asombro ante el potencial del arte en las últimas décadas, y por qué no decirlo, ante la envidia porque una persona tenga en su poder una colección de estas dimensiones y calidades. Es por ello que uno no puede dejar de alabar compromisos artísticos como éste, que lleva a la coleccionista a hacernos partícipes de sus posesiones, justificando así el título de la muestra, y es que la generosidad es la gran reflexión a la que nos puede llevar esta exposición. Inteligentemente el CGAC se ha hecho partícipe de esta labor de la coleccionista y nos permite ver una radiografía extensa y profunda de esos nombres esenciales a la hora de generar el arte de nuestro tiempo y todo ello aprovechando una acción ya iniciada, lo que favorecerá a buen seguro el descenso de gastos, algo que tanto preocupa hoy en día a los gestores culturales, que deben aprovechar este tipo de sinergias para llenar de programación sus centros.

Así sucede durante estos próximos meses con el CGAC, en una triple convocatoria en la que se encuadra esta muestra, así como las recientemente inauguradas ‘Graviti & Disgrace’, donde, entre otros, podemos ver la obra de dos gallegos Diego Santomé y Manuel Eirís y ‘La bandera en la cima’ del creador Rafel G. Bianchi.

Publicado en la Revista. Diario de Pontevedra 8/04/2012

Fotografía CGAC

La contemplación del color

La Sala X de la Facultad de Belas Artes acoge hasta el 4 de mayo la obra de la artista madrileña Rosa Brun.  Su trabajo modifica la percepción de este espacio, singular e imprescindible en nuestra ciudad a la hora de aproximarse a los discursos artísticos más actuales. La relación del espectador con la obra de arte se nutre con la intensa conexión mediante el color o con la disolución de límites entre lo pictórico y lo escultórico. Todo ello subyace tras un trabajo de una enorme potencia visual que permite generar un contexto ascético en toda la sala.

Libre de interpretaciones sobre el sentido de su pintura, el trabajo de Rosa Brun cabalga libre sobre el lomo de las emociones. En este caso de las más intensas, territorios vírgenes, aquellas emociones que se ven desprovistas de contaminaciones y que radican únicamente en la sima del color, allí donde todo es posible, allí donde el silencio nos ofrece el ruido necesario para captar la profundidad de una propuesta que puede parecer sencilla, pero nada más lejos de la realidad.

En su último e imprescindible libro, ‘La luz es más antigua que el amor’, el escritor Ricardo Menéndez Salmón implica en la narración al pintor Mark Rothko como un protagonista más al tiempo que recupera una carta que el cineasta Antonioni envió al pintor letón en la que le decía “Yo filmo la nada, pero usted la pinta”. Asomarse a esa fascinante nada de Rothko se ha convertido en uno de las experiencias artísticas más vertiginosas del siglo pasado, como si de aquel pozo inaugurado por Malevich se pudiera seguir extrayendo un maná para continuar alimentando la creación.

Al poco tiempo de pasar unos instantes en la exposición de Rosa Brun me he acordado de Rothko, de Malevich, de Menéndez Salmón y de esas palabras de Antonioni. No son malos compañeros para recorrer una muestra donde se parece convocar de nuevo a esa nada, a esa sublimación de la pintura a través del color, de la geometría y de unas relaciones espaciales entre las obras que nunca son casuales, sino más bien todo lo contrario, un motivo de reflexión para la autora. Todo ello se amplifica desde un silencio que te acoge como si de un templo se tratase. La espiritualidad que emana de la obra de arte como elemento sígnico, como señal casi primitiva ante la que buscar, más que una explicación, una sensación.

Piezas, por otra parte, que se mueven entre lo pictórico y lo escultórico, artificios que se cuelgan sobre una pared de la que lentamente se van distanciando hasta finalmente convertirse en elementos tridimensionales. Balizas de una existencia mimetizada bajo el color para poner en discusión sus propios límites, su propia configuración como obra de arte y de nuevo con la referencia del color como clave argumental. Aparecen las sombras, primero de manera tímida e insegura, pero posteriormente como un plano complementario de esas formas ya totalmente exentas, como una antesala de las ideas y de nuevos planos de experimentación por los que seguir fluyendo este discurso plástico en el que en todo momento parece estar sobrevolando esa carta de Antonioni para comprobar que la nada puede ser tan profunda como nosotros deseemos que sea, tan absorbente como ella misma se lo plantee y sobre todo, tan atractiva como nosotros queramos convertirla.

No por dejarla para el final es menos importante. Si hablamos de color y de volumen la tercera derivada en Rosa Brun es la luz. Una luz que recompone la calidad del color, una luz que emana del interior de la propia pieza para ofrecer ese aliento a la dimensión mística apuntada con anterioridad. La luz parte como de una vidriera medieval compuesta desde el color para incidir en una modulación espacial donde acoger al ser humano. Recogido ante el misterio de la belleza que surge de algo tan sencillo pero a la vez tan enigmático como es la nada. Un pozo inagotable. Un pozo eterno.

Publicado en Revista 'Diario de Pontevedra' 01/04/2012

Fotografía Alba Sotelo

Vientos del norte

Hasta el siete de abril la Sala de exposiciones de la Delegación de la Xunta de Galicia en Ponteveda acoge la obra de la artista Dolores Gálvez. Un trabajo que se plantea, a diferencia de otras muestras de la creadora, desde diferentes técnicas que van de la pintura a la fotografía, pasando por la mezcla de ambas en unas piezas llenas de sugerencias. Una obra volcada con la naturaleza como catarsis para la creación, pero también como anclaje para provocar una serie de sensaciones basadas en el movimiento, la fugacidad y lo transitorio de naturaleza y arte.

‘Suecia, natureza de ouro’ es el título que la artista ha situado en esta vuelta de su obra a Pontevedra. El haber conocido aquellos paisajes de la Europa septentrional, latitudes donde la naturaleza ofrece una carta de responsabilidad para todos los ciudadanos de aquel país, ha dejado huella en su alma, no sólo personal sino artística. Es por ello que Dolores Gálvez ha sabido adaptar su forma de entender la pintura a la plasmación de una serie de circunstancias que le permiten seguir evolucionando en sus planteamientos pictóricos.

Planteamientos que se han ido afianzando con una pintura de sensaciones, capaz de plantear desde unos territorios puramente abstractos la plasmación de un momento que debe ser definido como fugaz. Son sus vientos o sus vuelos, pequeños fragmentos, que llenan de alma a esta muestra, que tiene en esa dimensión cinética de su arte el aliento que es capaz de despertar a una figura clásica. Su serie ‘Aura’, también desconocida en su producción, integra mediante una técnica mixta esa sensación de movimiento con un elemento que ha permanecido estático, no solo en su concepción estatuaria, sino como firme reflejo de que el tiempo no le afecta. A partir de este encuentro da la sensación que dicha pieza pudiese ser transportada hacia otro lugar, hacia una dimensión impensable solo unos momentos antes.

Este carácter de experimentación en Dolores Gálvez, a quien conocíamos por su pintura y sus grabados, se aproxima a la fotografía mediante una serie de paisajes tomados en blanco y negro y que transmiten al mismo tiempo la crudeza de la climatología de Suecia, como la belleza que ese medio natural es capaz de provocar no solo en el espectador, sino también en la propia creadora maravillada por estas nuevas sensaciones.

Con todo ello es con lo que Dolores Gálvez muestra su ‘naturaleza de oro’, el eslabón dorado de un medio con el que pocas veces somos agradecidos pero al que los artistas siempre tienen en la recámara como agradecido elemento inspirador o refugio al que acudir en caso de duda. Motivos para volar, para desplegar unas alas que permitan al artista seguir conjugando su actividad creativa. De todas maneras, y pese a lo que pueden ser o convertirse en caminos para explorar nuevas posibilidades, son sus grandes pinturas donde Dólores Gálvez vuelve a dar lo mejor de sí. Explosiones de color, simbólicas superficies por donde se conducen esas agitaciones que parecen ‘peinar la luz’, someter a lo lumínico, el otro gran vector de su pintura, bajo esa pretensión de  componer el movimiento en una superficie plana.

El resultado, a la vista está, plantea una especie de atadura visual sobre lo que es la pintura, un lazo que engloba a todo un vacío que se convierte en volcán por la intensidad cromática, analizada y hasta medida por ese vaivén que se produce a su alrededor. Un sismógrafo capaz de registrar sensaciones, que al fin y al cabo es lo que busca la artista, provocar sensaciones en el espectador, en aquel que se sitúe ante la obra de Dolóres Gálvez. Una obra que no cesa de mostrar nuevas posibilidades, senderos por los que acceder para seguir haciendo de esa acción, la de crear, el alma de una vida. Una vida que un día la acercó hasta Suecia para ver cómo la nieve es el mejor adjetivo posible para la naturaleza, para entender así que desde un territorio tan puro, la naturaleza es de oro.

Publicado en Diario de Pontevedra 25/03/2012

Fotografías David Freire

Fíos de luz, fíos de vida, fíos de ausencia

Ata o 19 de marzo o Patronato de Turismo Rías Baixas acolle as fotografías de Paula Pereira. Quince imaxes que xorden a partir dun fermoso poema no que Avilés de Taramancos xoga coa luz e evoca a ausencia da mesma, que se esgota como se esgota o día. Esta moza artista é quen de trasladar á imaxe fotográfica as palabras do poeta de Noia, e faino de xeito acertado, a partir de recoller nesa fotografías uns ambientes escuros onde só un raio de luz permite albiscar a vida, o pouso que deixa o ser humano ante o inevitable e fráxil discorrer do tempo. 

A luz necesita da escuridade para existir como a ausencia necesita do ser humano para ter sentido. Termos contrapostos dispostos a participar das imaxes que Paula Pereira acadou coa súa cámara. Son os rescaldos dun traballo aínda quente, pese a que ante el a forte carga da ausencia remítenos a unha certa frialdade que sempre conleva a non presenza da figura humana. Pero é esa luz, nalgunhas das fotografías un simple fío, o que nos deixa pendurados da incertidume, da posiblidade de existir, en definitiva, de valorar a existencia a partires da ausencia.

E é que dende a dialéctica luz-escuridade as posiblidades que ofrecen as pezas desta artista medran de xeito permanente cada vez que lles botamos unha ollada. Espazos baleiros onde só esas luces que entran por unha fiestra, máis ou menos aberta, son quen de rachar esa escuridade na que se fala de perdas, dun tempo que fuxiu, pero sobre todo de ‘Ausencias’, que así é como se chama a exposición. Porque todo deriva niso, no peso que amosa a ausencia, reflectida, de xeito fondo e maxistral, como o que se representa tras esa cadeira na que tantos deberon sentar e que agora permanece en pé, soa e chea de dignidade como a testemuña do que foi, da súa utilidade, agora xa a mercede do paso do tempo, nun naufraxio que só pode conducir a un final que todos adiviñamos e sometida a esa luz que parece tentar con ela un interrogatorio.

Deste conxunto de imaxes xorde tamén outra compoñente que trascende das propias fotografías e inunda o espazo adicado á exposición na planta baixa do histórico Palacete das Mendoza na Avenida de Santa María. Ese elemento é o silencio. Algo tan difícil de representar no artístico, pero que ten tanta contundencia á hora de beliscar ao espectador, Paula Pereira é quen de integralo dun xeito protagonista en cada una das súas imaxes. Un silencio que xorde desas estancias baleiras, que nos falan dunha vida no exterior, cando nel xa só queda o puoso desa ausencia. Desas vidas xa só nos chega un fío, un fío do que tirar para poder ter aínda unha esperanza, un enganche coa propia vida. Eses fíos de luz amósanse como un fermoso recurso estético, un arañazo na escuridade que xorde case como un berro para esnaquizar ese baleiro de desesperanza.

Paula Pereira reforza de xeito contundente a súa traxectoria dende a súa graduación en 2010 en Belas Artes e tras participar xa nun amplo número de mostras, sendo de relevancia a súa inclusión no Certame de Novos Valores de 2010 e o premio á mellor curta no ‘I Certame, Curtas para Rosalía’ nese mismo ano. Unha artista que non só traballa no eido fotográfico, senón que tamén amosa a súa calidade en campos como a ilustración ou a artesanía.

Pero o certo é que tras esta mostra Paula Pereira debe apostar de xeito decidido por esta disciplina. A súa capacidade para a evocación, para suxerir atmósferas entre o real e o irreal, a tería que levar por apostar de cheo polo mundo da imaxe con esa firme anclaxe que ten as súas fotografías na poesía. No só polo motivo que se agocha trala exposición, que é un pouco o de render homenaxe ao poeta Antón Avilés de Taramancos a partir dunha das súas composicións, e a súa posterior interpretación fotográfica, senón porque en cada unha desas imaxes se aprecian moitas das compoñentes da poesía. A evocación, a sinxeleza, o hermetismo ou a sinceridade son feitos para poñer en relevo nesta cita artística. Achegarse a elas convértese nun exercicio poético que a autora sabe poñer ante nós e ante as que un se sente especialmente conmovido, pola suxestión que se agocha en cada unha delas, nas que só o que vemos ou o que non vemos ten sentido. Sen títulos nas fotografías, sen nomes que nos poidan despistar, e o valor da imaxe como único medio de conectar co espectador, e o seu potencial para establecer un vencello entre ambos, apenas traducido co xenérico título de ‘Ausencias’.

Así as cousas, percorrer esta exposición supón unha agradable aproximación ao coñecer a unha moza que dende a súa arte se achega a nós, a través dun plantexamento cheo de sensiblidade, capaz de engaoiolarnos dende unha aposta tan sinxela. Moitas veces preténdese conectar co público dende grandes proxectos, con fortes inversións económicas, pero sustentados sobre uns fráxiles pés de barro. Paula Pereira no ten grandes pretensións, escapa de calquera intento pirotécnico, baseando a súa aposta no traballo ben feito e a capacidade que ten a imaxe, cando esta é boa, para conectar co espectador. Abofé que os que se achegen a ver esta mostra sairán cunha faciana de satisfacción, ao ver como a arte pode ter unha forte capacidade de seducción a partir dunha simple mirada, pero sobre todo de saber captar un instante cheo de maxia. Son só quince as imaxes, seguro que houbo outras máis, agora reducidas a este número, pero son máis que suficientes para coñecer a proposta dunha artista que seguro que no futuro nos seguirá ofrecendo novas sensacións que iremos seguindo ben atentos.

No Palacete das Mendoza, onde durante tantos anos entre as súas contras filtrábase unha luz morna que acariñaba os obxectos das súas moradoras, agora esa mesma luz é a que nos serve para entrar neses recunchos propostos por Paula Pereira. Lugares onde a soidade nos acolle, onde a escuridade nos envolve e onde un raio de luz se converte nun fío do que poder tirar, un fío de vida, o fío dunha ausencia engaiolante, xurdido dunha poesía para mimetizarse nela a través da imaxe.

Publicado en Diario de Pontevedra 11/03/2012

Natura pictórica

«Todo arte viene de la naturaleza, el que puede arrancarlo de ella, solamente éste la posee» Con esta frase de Durero se cierra el catálogo que acompaña a esta exposición de Darío Basso (Caracas, Venezuela, 1966) en el nuevo edificio del Museo de Pontevedra, pero es también una frase que nos permite abrir una especie de ventana al universo creativo de este hombre que llega a Vigo con solo tres años para convertirse en el futuro en artista a través de un proceso de identificación con la naturaleza, que se irá afirmando con numerosos viajes por el mundo.

A lo largo del año por una ciudad como Pontevedra pasan exposiciones de lo más diverso, con mayores o menores pretensiones, pero que ofrecen un abanico de lo más variado. Dentro de ese abanico hay algunas muestras que pasarán al recuerdo de los amantes del arte. Tanto por las pretensiones de su planteamiento, el montaje en el espacio requerido y sobre todo, por la contundencia del trabajo en cuestión. Así sucede con la muestra de Darío Basso  que se presenta en el nuevo edificio del Museo de Pontevedra hasta el 16 de marzo y que bajo el nombre de ‘Materialeza 1999-2011’ recoge un conjunto de trabajos agrupados en varias series que recorren diferentes puntos del mundo, lugares en los que han sido creadas por un artista que se deja envolver por el manto de la naturaleza para evocar un universo propicio para que la recepción por parte del visitante implique todo ese potencial que el artista ha sabido ver en su elemento inspirador. Ese carácter abrumador que tantas veces nos muestra la naturaleza se repite en cada una de las series que conforman la exposición, generando un ecosistema en el que de nuevo nos encontramos con nuestra inherente fragilidad.

Materia| Responde Darío Basso a ese sentimiento de pertenencia a un ente superior, a una naturaleza a la que se reverencia una y otra vez de la que se aprende y se intenta comprender su valor así como el proceso de degradación al que el ser humano suele someterla. Artistas como Fernando Casás o Jorge Barbi, se mueven también en esa dinámica y su trabajo suele ser demandado en mayor medida desde fuera de nuestras fronteras que en su propia tierra, de ahí la importancia de esta muestra. El valor que posee como recorrido por una vida y por una serie de experiencias que son las que permiten la maduración de persona y obra. Y así lo vemos si partimos de ese gran mapamundi que centra la exposición y del que nacen cada una de las series que configuran la muestra. ‘Equinoccial’, ‘Leviatán’, ‘Ons’, ‘Urpflanze’, ‘La nave del argonauta’, ‘Acimut’, ‘Agoritmi dixit’... y así hasta completar un itinerario vital que refunda la manera de entender el arte del artista, de mirar y de recrear la naturaleza experiencia a experiencia.

Pintura y materia van interrelacionándose en un proceso de sedimentación, de conjunción que es lo que configura el paso de lo real a lo imaginado, de lo vivido a lo sentido, de lo natural a lo sobrenatural y es que del trabajo de Darío Basso trasciende un sentido de inmanencia, un panteísmo propio de culturas primitivas, y es que esa aproximación artística del autor a la naturaleza no se puede desligar de ese sentido primigenio como deidad y elemento de culto que ofreció la naturaleza a diferentes culturas. No solo hablamos de culturas prehistóricas, sino de pueblos que todavía hoy en día permanecen alejados del influjo del hombre moderno al estilo occidental tal y como lo conocemos.

Templo| La espectacular disposición propuesta desde el Museo de Pontevedra confiere al conjunto de la muestra ese carácter de templo primitivo, de cueva demiúrgica desde la que se honra a la madre naturaleza. Darío Basso sabe armar esa condición y ponerla en relación con el hecho pictórico más contemporáneo, de ahí la riqueza de su discurso y el éxito de su planteamiento. Modernidad que parte incluso de esos cuadernos de viaje, pasos premonitorios ante el hecho futuro de la traslación al gran mural, que se vislumbran como la idea original a partir de la cual actuar y edificar la nueva naturaleza, en la condición que al artista convierte de pretender evocar lo que existe a su alrededor y que en el caso de Darío Basso no se limita al hecho natural, al elemento botánico, por decirlo llanamente, sino que se integra en una acolmatación de hechos que se ligan al lugar donde surgen cada una de esas series. Y así es como ‘Leviatán’ se acerca a la catástrofe del Prestige, ‘Urpflanze’ indaga en la generación de las flores desde un pensamiento de Goethe o ‘Algoritmi dixit’ reflexiona sobre las barreras culturales entre oriente y occidente, generándose de esta manera un fértil imaginario donde la construcción histórica del ser humano se asienta en la naturaleza como forma y fondo de un arte que hace de lo natural pintura, y de la pintura naturaleza. Dos vías inagotables.

Publicado en Diaro de Pontevedra 5/03/2012

Fotografías: Rafa Fariña

Una ventana al arte

En los próximos días tenemos la posibilidad de asomarnos a una ventana muy especial, la que desde ‘A librería de Marín’ se abre para que podamos visualizar obras de diferentes creadores, pero también para asomarnos a un interior que supera el concepto de librería comercial para posicionarse como un centro de creación y de animación cultural, algo de lo que Marín no está excesivamente sobrado. La obra de Fernando González es la que ahora nos convoca y la que podemos disfrutar.

Entrar en una librería cada vez más se está alejando de aquella anticuada sensación que recibía el cliente cuando accedía a lo que no era más que un almacén de libros. Hoy en día ya son muchas las librerías que apuestan por dinamizar su espacio, por ofrecer al cliente un amplio abanico de opciones que le motiven de cara al acceso a la lectura, pero también buscando la sensación de que en ese lugar tan especial confluyen diferentes actividades relacionadas con la cultura de las cuales poder sacar un provecho para su persona.

‘A librería de Marín’, en la rúa da Roda, acaba de cumplir siete años abierta al público y desde hace unos meses lleva generando entre los aficionados al libro en Marín muchas y buenas de esas sensaciones comentadas. De la mano de la emprendedora Rosa Neutro-Licenciada en Bellas Artes- se lleva proponiendo con el respaldo de la propietaria, Marta Díaz, diferentes opciones que sirven para que Marín poco a poco asista a un lugar de dinamización cultural. En estos momentos un curso de fotografía que ofrece la propia Rosa Neutro, con quince personas inscritas, centra su atención a lo que se le une la exposición de una pieza artística que aproximadamente durante un mes se instala en la propia tienda.

‘Ollada obrigada’| No en un lugar cualquiera, sino en ese ámbito intermedio entre el exterior y el interior, entre la realidad de la calle y la realidad de un espacio donde se reconoce, una vez que accedes a él, el mimo por todo lo relacionado con el ambiente cultural. Desde esa ventana en los últimos meses los transeúntes de Marín han visto las obras de la propia Rosa Neutro, Fernando Lafuente, Antía Sánchez, y en esta ocasión, hasta mediados de este mes de marzo la instalación 'A ollada obrigada' de Fernando González. Una pieza que este artista, nacido en Vigo pero afincado en Marín, nos propone como un juego de miradas, un conjunto de fotografías de pequeño formato insertas en unas cajas de madera que a medida que transcurre el tiempo de la exposición van modificando su relación con el espacio, variando su posición y altura, componiendo nuevas visiones que suscitan así, ante el caminante que se detiene ante el escaparate, una nueva percepción. Una obra en permanente ejecución, en constante tránsito en sí misma para modificar la propia mirada que la pieza genera en su reflexión interna, la provocada por esos juegos de sombras y luces, elementos arquitectónicos donde la luz se erige como protagonista. Son pequeños guiños hacia nuevas realidades que nos obligan a participar de la pieza, a dirigir nuestra mirada al interior de esas cajitas donde el hecho de mirar a través de esos singulares objetivos nos convierte en parte de ella y también de este proyecto cultural y casi de vida, que dos mujeres generan en Marín como una referencia de lo que se puede lograr desde la ilusión y las ganas de presentar una propuesta novedosa. Literatura y arte se amalgaman desde este espacio, en el que una ventana simboliza aquello a donde asomarnos, aquello que nos permite descubrir de que material están hechos los sueños.

Aparente soledad

Durante el mes de febrero asistimos en la Galería Sargadelos al trabajo fotográfico de Borja Mucientes (Pontevedra, 1980). Un recorrido por diferente espacios donde la soledad solo es un pretexto para convocar la presencia del hombre.

Vacío, silencio, soledad... son parte de un argumento que se va descolgando de la fotografías que Borja Mucientes nos propone. Retratos de ciudad, ámbitos modernos, precisamente lugares donde se intuye la mayor presencia humana. Pero su presencia es, justamente, su ausencia. Notamos su falta en la oscuridad, la necesidad de un elemento habitual en lo que sería una fotografía ordinaria, pero el autor no quiere ser tan evidente. Al dejar fuera al ser humano lo que consigue precisamente es dejar constancia de su huella, de un tránsito diario configurado por el paso de miles y miles de personas. Esas arquitecturas desnudas de sus pobladores son las que permiten que nos realicemos numerosas preguntas, las que obligan a nuestra mente a completar la escena, a pensar en aquellos que diariamente cruzan como autómatas esos andenes o esos rincones. Lugares habitados pero que en un momento dado retoman su protagonismo, su importancia como un espacio estético camuflado durante el día como un mero lugar de paso. El fotógrafo sabe rescatar a esos ambientes de su olvido cotidiano, afirmando una belleza a la que somos ajenos, dado lo frenético de nuestras idas y venidas. La fotografía, dentro de ese milagro que surge de la congelación del tiempo, consigue mostrar una mirada que suele ser despreciada.

Ecosistema| Es la naturaleza de nuestro ecosistema urbano, del hábitat por donde nos movemos o nos refugiamos, en definitiva, donde encontramos la comodidad a la que nuestra sociedad parece obligarnos a buscar y definir con cada paso tomado en nuestras vidas. Borja Mucientes logra captar ese espacio con doble cara, rescatando esa cara oculta de la luna, aprovechando el amparo de la noche y donde esos focos inciden sobre una aparente soledad que emana de dichas imágenes. Pero además de esas luces dirigidas. Destellos que surgen en estas imágenes para alumbrar toda una serie de rastros humanos, papeles tirados al suelo, alambradas, carreteras, territorios vividos pese a que ya no haya nadie en ellos.

Borja Mucientes nos presenta de esta manera su visión de diferentes ámbitos urbanos, rincones que asoman para mostrar ese mundo que no vemos cuando ya no estamos en él y es que este joven creador muestra un interés particular por este tipo de visiones que, de no ser por su labor, nunca conoceríamos. Una muestra muy recomendable que nos pone en contacto con un joven creador que desde la imagen lleva dando pasos firmes por encontrar un hueco en ese complicado mundo de la imagen, tanto desde la fotografía como desde el cine donde ya ha realizado varios lúcidos proyectos.

Publicado en Diario de Pontevedra 26/02/2012

Fotografía: 'De la serie túnel'. Borja Mucientes

El valor de una generación

Son dos nombres surgidos de la Facultade de Belas Artes, miembros de una generación ya mítica del último arte gallego. Participantes por primera vez de una enseñanza artística universitaria en nuestra ciudad, convirtiéndose en un semillero de artistas que han redimensionado nuestro paisaje creativo , expandiéndolo hacia el exterior. Pocos ejemplos son tan acertados para dar inicio a una secuencia de exposiciones que rinda homenaje a aquellos ‘pioneros’, como los de Rut Massó y Salvador Cidrás.  La Sala-X levanta acta de ese tiempo transcurrido.

En noviembre de 1990 comenzaba una de las historias culturales más atractivas de la Pontevedra de las últimas décadas. En el mes de noviembre de ese año en la Facultade de Belas Artes -todavía lejos de su ubicación actual- se impartía la primera clase de esa carrera artística. A partir de ahí, generaciones y generaciones de artistas han salido de sus aulas para, con mayor o menor fortuna, posicionarse en el siempre complejo mundo del arte. Dos de ellos, pertenecientes a la primera promoción salida de aquella incipiente Facultad, Rut Massó y Salvador Cidrás, retornan a su centro de estudios a través de una exposición en la Sala-X para mostrar el valor de aquella generación, el compromiso del artista con su obra y el proceso evolutivo que se produce siempre en el trabajo de cada creador.

Esa generación, referente ya no solo en el recorrido de la Facultad sino del propio arte gallego, tuvo la visualización del futuro que se aproximaba con una exposición ya emblemática en los últimos tiempos artísticos en Galicia: ‘Novos Camiñantes’, llevada a cabo en 1999 en el Pazo da Cultura de Pontevedra bajo el premonitorio comisariado de Miguel Fernández-Cid. Allí un listado de nombres se revelaban como realidad y como la consolidación del nuevo sistema de representación artística que sacudía nuestra realidad de una manera tal que no se veía desde los planteamientos de Atlántica en los años ochenta.

Estaba en aquella cita Salvador Cidrás, no así Rut Massó, pero ambos, con independencia de aquella cita, fueron creando su propio camino, su discurrir por un territorio minado en el que han sabido responder desde la intuición propia y la formación que los distingue como generación de camadas anteriores.

Y el tiempo fue pasando y nos encontramos en esta muestra como ambos reflejan ese fluir temporal, profesional y personal en ‘Tránsitos’, una convocatoria que espera reunir en la Sala-X de manera seriada a algunos de esos nombres consolidados y de los que profesores y Universidad se enorgullecen. Un par de décadas después, ambos volvieron, no solo como un hecho personal de dos carreras que se volvían a encontrar tras las aulas y todo lo que hay fuera de ellas, sino como reflejo de un estado. De toda una generación que ha nutrido nuestro imaginario de una manera vigorosa y como nunca antes había sucedido. Curiosamente, el día de la inauguración de esta muestra, aquel comisario que en 1999 se fijó en muchos de ellos, Miguel Fernández-Cid, también estaba presente, reconociendo un discurso fértil y poderoso basado en la búsqueda de la identidad del ser humano. Rut Massó desde la evocación de la pintura, el paisaje y el retrato y un planteamiento espacial meditado de sus obras, mientras, Salvador Cidrás, también muestra su preocupación por la intervención en el espacio creando un túnel de acceso donde se citan las imágenes desde las que ha reflexionado en los últimos años sobre esa identidad. Y es que el tiempo no ha pasado en vano.

Publicado en Diario de Pontevedra 19/02/2012

Fotografías de Alba Sotelo

Abismo lírico

La muerte de Antoni Tápies (Barcelona, 1923-2012) nos sitúa ante la obra de uno de los creadores más singulares e influyentes de nuestra plástica. Para ello configuró una obra no exenta de complejidad, pero, precisamente de esa condición, es de la que surge un territorio lleno de matices y sumamente atractivo. Un arte sensorial por encima de aquello que se entienda como comprensible, defendido por el artista como un lugar para la regeneración del ser humano. Un poético abismo en el cual refugiarnos ante un mundo no siempre acogedor. 

Cada pieza de Antoni Tàpies se revela ante nosotros como un pozo. Una sima oscura y densa. Un abismo lírico ante el que el espectador no puede resistirse ante la caída en su interior, o mejor dicho, para dejarse atrapar por la fuerza y la contundencia de unas obras que se han ido asentando en nuestro imaginario artístico con una potencia fuera de lo común.

¿De dónde surge esa capacidad de atracción? ¿qué motiva que ese abismo nos engulla? Hablamos desde este momento de lo físico, de la capacidad que el artista posee para suscitar que esa pintura deje de serlo y se conviertea en objeto, un elemento matérico donde todo empieza y todo acaba en la disposición física de los diferentes elementos integrantes de un espacio.

Con el tiempo completamente detenido Antoni Tàpies afronta en cada uno de sus trabajos una nueva dimensión, una trascendencia que hace de esos territorios, en que se tornan sus obras, una superficie de expiación personal. Tàpies definía el arte como una experiencia, algo carente de explicación, dejando todo en manos de la experimentación y el acopio de sensaciones. Es decir lo sensorial por encima de lo conceptual. ¿Cuántos náufragos de la experiencia artística deberían sujetarse a ese madero? Porque el arte no es más que sentir, sentir y sentir. Y donde lo relacionado a lo sentimental debe estar alejado de lo comprensible. Para qué descifrar esas cruces, esos números, sus trazos, las pinceladas negras, las huellas o los rastros del paso del artista... todo son excusas para volcar sobre un soporte ese carácter espiritual del ser humano, porque como todo gran artista, al final de cualquier especulación creativa se halla el ser humano. Frágil, caduco, indefenso y vapuleado por una sociedad que él mismo ha creado pero en la que parece sentirse extraño. Tàpies con su obra reclama ese protagonismo del hombre, ni las dictaduras, ni la ignorancia, ni la opresión, ni el desprecio podrán imponerse a la condición humana. Contra todo eso se enfrenta la pintura y la obra de Tàpies, la misma que con el tiempo se fue convirtiendo en un gran monstruo que gritaba desde el silencio contra una dictadura que no entendía absolutamente nada de lo que pretendía el pintor catalán a través del compromiso con su manera de entender la pintura.

Una vez citado el silencio, éste se muestra como  otra de las grandes aportaciones de su obra. Generado a partir de un hermetismo que se imponía al resto de sus pretensiones, sus obras son compactas, cerradas en sí mismas y en las que el silencio es la mejor ambientación posible, la que permite que nos aproximemos a esa inmanencia pretendida por el artista. Un silencio que nos conduce al carácter poético de su trabajo, al lirismo que singulariza a este pozo abstracto. Silencio y abstracción son las rimas de la poesía, cuando la pintura juega con ellas no deja de convertirse precisamente en poesía. Hay mucho de ese carácter poético en cada una de sus obras, en la reflexión, en la ausencia de lo que sentimos y la presencia de lo que evocamos. Una conjunción de elementos que deja paso a la materia, los fragmentos del naufragio de nuestra especie. Así es cómo se van depositando sobre su superficie elementos de lo más diverso, telas, arpilleras, maderas, metales.... todo es susceptible de formar parte de ese objeto en que se van convirtiendo cada una de sus composiciones. Objetos donde la materia tiene su refugio y es que al fin y al cabo todos somos materia. “En el fondo estamos hechos de tierra...y volvemos a ella”, afirmaba el creador, como escéptica conclusión de la existencia humana. Y es que la propia tierra formó parte en muchas ocasiones de sus trabajos, también los tonos, alejados de histrionismos colorísticos, dejaban paso a los ocres, al negro, una necesidad a la hora de crear, de plantear esa geografía del compromiso. Son parte de esas señales que indican por donde ir, por donde vivir, por donde existir, en muchas ocasiones son necesarias las anotaciones: las cifras, las letras, pequeñas frases, referencias poéticas... más que señales símbolos casi cabalísticos para indagar en lo que somos, una reflexión que las más de las veces llevaba a representar un sentido trágico de la vida donde el dolor se vuelve protagonista.

A nadie le gusta ver aquello que hiere, lo que lastima, pero Antoni Tàpies era capaz de propiciar lo bello desde ese territorio tan arisco y lo hacía con el meditado equilibrio de formas y texturas y todo ello culminado con el barniz eterno que otorga el silencio. Pocas obras en nuestra plástica presentan ya esa condición de eternidad y es que Tàpies sabía que en lo eterno estaba el éxito de su obra, el fin último por el que fue creada, ajena a modas, a corrientes. Ella misma fue moda y corriente.

Publicado en 'Revista' de Diario de Pontevedra 12/02/2012

Envueltos por la naturaleza

La Sala Antón Rivas Briones de Vilagarcía de Arousa se abre a la naturaleza propuesta por la artista Lola Solla (Pontevedra, 1959) para acoger a un público que, una vez en ese interior, descubrirá la posibilidad del artista y del arte para trasladar la naturaleza de un ámbito externo a un recinto cerrado. Una mímesis que convierte el trabajo del hombre en una experiencia donde sentir y palpar la potencialidad del ámbito natural y su capacidad para capturar sensaciones, volviéndonos a acoger como la gran madre de todos nosotros.

Parece que las hojas de los árboles se están meciendo levemente por el paso del aire. Pero ¿qué aire?, ¿qué fuerza es la que permite trasladar al visitante que esa naturaleza posee vida propia? Respuestas que se resumen en la labor de una creadora que ha hecho de la naturaleza el andamiaje de su obra. Lejos de una originalidad impostada, Lola Solla aborda con su trabajo el seguir analizando e investigando la capacidad del entorno natural para ser adaptado al ámbito artístico.

Conocíamos ampliamente sus grabados, tan limpios como certeros en la descripción de los matices de la naturaleza. Caricias a una inmensidad que en ellos se resumía en un gesto, un conjunto de trazos o líneas en las cuales se podía recorrer todo un paisaje que se acercaba más a lo sentimental o a la captura íntima de sensaciones que al reflejo especular del medio natural. Pero si de algo nos va a servir esta muestra es para reivindicar a la Lola Solla pintora, a su capacidad para reflejar la naturaleza y para representar no sólo aquello que podemos ver a simple vista, un árbol, sus ramas, o un conjunto de hojas, sino para ser quien de captar aquello invisible pero que es el verdadero valor de la naturaleza, es decir, las luces, los efectos de la meteorología, las brumas, los vientos.... esa mitad invisible sin la que la naturaleza no sería lo que es, lo que le otorga su carácter diferencial entre un espacio geográfico y otro, incluso siendo ambos muy cercanos. Nuestra protagonista acierta al poner el énfasis sobre ese aspecto, rescatando todo un entramado de sensaciones que van brotando de cada uno de los trabajos a medida que pasamos tiempo junto a ellos. Y es que esta exposición no es de las de paso rápido, sino que requiere de calma y sosiego, de ojos bien abiertos, pero también de poner en alerta al resto de nuestros sentidos, al igual que cuando pasamos la palma de la mano sobre una brizna de hierba, cuando oímos crujir una rama bajo nuestros pies o incluso cuando algún olor incide en nuestro olfato. Un cúmulo de referencias que Lola Solla lleva siendo capaz de transmitir desde hace tiempo, pero que, sobre todo desde lo pictórico, nos sorprende por ver refrendado ese compromiso artístico a través de una ejecución formalmente impecable.

Salgan a la naturaleza, sumérjanse en ella, pero si tienen la oportunidad, conozcan esta otra naturaleza. La de Lola Solla.

Publicado en Diario de Pontevedra 5/02/2012

El papel del arte, el arte del papel

Clara Salamanca y Ana Ferrer nos descubren su forma de entender el arte mediante su primera exposición. Un acto iniciático con obligados puntos débiles, pero también con la ilusión y la alegría de un largo camino por recorrer. La Sala de exposiciones de la Escuela de Restauración, con acceso por la Facultade de Belas Artes, es el lugar donde el papel se convierte en el eje artístico de estas dos jóvenes que incluyen un elemento clásico en el mundo del arte y el pensamiento, el paso del tiempo. Desde ambos conceptos crean su futuro artístico.

Tic-tac, tic-tac, tic-tac... el paso del tiempo se sucede y dentro de él se juegan nuestras vidas. Definir su territorio y su impronta en nuestras vidas aparecen como la primera preocupación de estas dos jóvenes artistas en el que es su debut artístico. El tiempo como ejecutor de nuestra experiencia y el condicionante de muchas de nuestras actuaciones. Fugaz y endeble, su paso son arrugas en nuestra piel, en ocasiones en nuestra alma. Piel y alma desde las que Clara Salamanca y Ana Ferrer conciben su arte hecho en papel, también material propicio para esas arrugas de la vida, para metaforizar esa ligereza del fluir temporal. Tic-tac, tic-tac, tic-tac... desprestigiado por su uso cotidiano, por ser el soporte efímero de un apunte o una nota, el papel se carga aquí de responsablidad y muestra su potencial como sustento de lo artístico, como material para la creación y también, y no menos importante, como parte integrante de ese discurso donde el tiempo juega su ‘papel’.

Sintonía | Todo este collage, de pequeñas piezas son como guiños a ese devenir cronológico. Diferentes tipos de papel, variadas texturas, colores, formatos... todo ello tiene cabida para alimentar el deseo de ambas creadoras, que trabajan a la limón  y en perfecta sintonía, lo que le otorga a la muestra una cohexión que se agradece por parte del visitante.

Sobre el papel cada una de ellas se sirven de sus armas: el dibujo, el grabado o la integración de diferentes elementos como cartones o alfileres, para crear y sugerir todas estas pequeñas geografías del alma. Rastros de un paso de un instante recogido ya para la eternidad desde su sensiblidad creativa, y es dentro de cada uno de esos pequeños marcos donde ambas se la juegan, sabedoras de la importancia de crear un equilibrio formal sobre la superficie de trabajo, con independencia del tamaño de la misma.

Conjugar forma, color y línea es generar un territorio de experimentación en donde debe surgir el verdadero artista, el que busca su modo de expresión a partir de lo visual. Y lo cierto es que es en cada uno de esos trabajos donde ambas ofrecen lo mejor de si mismas, donde se reconoce lo que puede ser el futuro a base de la maduración del lenguaje y la acumulación de horas de taller frente al desafío de la obra. Un desafío del que todavía cabe esperar mucho a partir de ese carácter sutil de sus obras, un tratamiento delicado que tiene algo de orfebrería al ir encajando pequeñas piezas, pero ante las que una vez uno se detiene ante ellas ofrecen mucho más de lo que puede parecer tras echar un primer vistazo al conjunto de la exposición.

Clara Salamanca y Ana Ferrer salen airosas de esta contienda entre el tiempo y el papel, entre lo pretendido y lo finalmente alcanzado, con los inevitables ‘pecados de juventud’, más apreciables en la organización del conjunto de la muestra, que en el propio trabajo de cada una de ellas, que nos ofrece como ambas pueden tener un interesante y prometedor futuro dentro de lo artístico.

A buen seguro este bautismo habrá servido para calmar nervios y conocer una parte nueva de lo que es ser artista, esa parte final del proceso que es el presentarse ante el público, así como plantear un trabajo para ser mostrado al exterior, alejado del protector estudio y su intimidad, y todo ello mientras el tiempo pasa convertido en papel. Tic-tac, tic-tac, tic-tac...

Publicado en Diario de Pontevedra 26/01/2012

A necesaria volta á natureza

O artista portugués Mario Rocha (Viana do Castelo, 1954) amosa a través desta máis que recomendable exposición a capacidade do creador para atopar unha percepción diferente ao que acontece no noso contorno. Non quero dicir con isto que a aposta de Mario Rocha por voltar a mirada cara a natureza sexa un camiño pioneiro na arte, pero si que o seu valor sitúase en facelo hoxe, coa que está a caer.  Estes ‘Aires da serra...’ que ata o 12 de febreiro respiramos no Pazo da Cultura de Pontevedra son unha sorte de expiación de nós mesmos.

Un home chantado fronte á montaña. Bule na súa cabeza un pensamento cheo de dúbidas, de medos, pero tamén de esperanzas. É a volta do home a carón da súa nai, desa que nunca lle vai fallar. Non son bos tempos para o ser humano, acosado por unha modernidade chea de banalidades que no último que pensa é no propio home, poñendo por riba del unha morea de cuestións inútiles. Entramos nunha crise global, e aínda peor que esa crise económica atopámonos cunha crise moral, esa si que é perigosa.

Todas estas cuestións son as que atopamos nas obras de Mário Rocha nas que, se algo é evidente, é o seu compromiso explícito co home, ao cal parece animar para xuntarse con quen nunca o vai defraudar, con esa natureza á que nos enfrontramos de xeito permanente, moitas das veces estragándoa para satisfacer o noso egoísmo. ‘O pastor’, ‘Jabalí’, ‘Aires da serra’ ‘Mulher e criança’ ou ‘Vidas negras’ son excelentes obras que transmiten esa percepción do contorno do home coa súa nai eterna. Do mesmo xeito, as súas dezaoito pequenas pezas que forman a serie ‘Estudo’ son unha especie de itinerario por eses lugares que busca reflectir o autor no formato máis amplo. Ensaios que rematan como unha obra en si mesma, coa mesma calidade que as de maior tamaño e onde o artista amosa unha delicadeza artística aínda maior que na outra dimensión.

E é que se por algo se caracteriza de xeito formal o noso protagonista é por acadar coa súa pintura unha sutilidade coa pincelada que transmite ao espectador unha superficie case onírica, un mundo inventado onde as formas se dilúen nun ámbito cada vez máis abstracto, aínda que sen perder nunca a relación coa realidade. Deste xeito a súa obra amósase como un fértil cruce do que se fai e de como se fai, para desembocar así nese achegamento coa natureza que é o fío condutor da mostra chegada a Pontevedra por mediación da Fundación do Camiño Portugués a Santiago de Compostela, que aposta deste xeito pola contribución artística como unha achega máis da súa profunda aportación a nosa cultura e que leva amosando durante o último mes, tamén no Pazo da Cultura, coa segunda cita da exposición ‘Camiños’, neste caso adicada ao universo feminino.

Esa implicación con Portugal é a que levou ao comisario da mostra, Tino Lores, a achegarnos a Mário Rocha, sabedor das súas posibilidades, xa amosadas, aínda que de xeito breve, na exposición colectiva celebrada no 2010 no propio Pazo da Cultura chamada 'Camiños'. Temos, polo tanto, a oportunidade de ampliar aquel coñecemento breve, aquel contacto que agora se establece como unha forte relación coa pintura deste home e da súa terra, desas serras que o rodean e nas que se atopa a única verdade que nunca nos vai defraudar, na que sempre nos imos a sentir  reconfortados. Un berce no que recuperar as nosas vidas agora secuestradas por uns tempos que non son os mellores, pero que son os nosos. Que a arte nos sirva de alivio.

Publicado en Diario de Pontevedra 22/01/2012

Fotografía: Javier Cervera-Mercadillo

Universo Wall

Hasta el 26 de febrero todos los espacios del CGAC en Santiago de Compostela se llenan con la obra de Jeff Wall, pero no solo con su trabajo, sino con todo ese magma que alrededor de un artista va burbujeando para transmitirle la temperatura suficiente para entrar en ebullición. De esta manera asistimos a toda una radiografía de gran parte del arte del siglo XX, a través de esas concomitancias con el artista canadiense recorremos la obra de alguno de los más importantes artistas del pasado siglo. Una cita obligada para los amantes del arte. 

Recorrer las dependencias que el CGAC dedica al fotógrafo Jeff Wall supone un doble motivo de satisfacción, por un lado el de recuperar para ese centro, o lo que es lo mismo, para todos nosotros, el sabor de una gran exposición. No han sido ni son tiempos fáciles los que se viven entre las paredes del Centro Galego de Arte Contemporánea, recortes presupuestarios o la llegada de una nueva dirección han compuesto una estampa que se alejaba de lo que habíamos visto años (bastantes) atrás. Pero esta exposición y la que ya se nos anuncia de otro gran artista, el gallego Fernando Casás, parecen abrir la puerta a la esperanza a través del programa expositivo que la trayectoria de dicho centro merece. El segundo motivo de satisfacción deriva de la propia muestra, de la aproximación que en base a un discurso perfectamente articulado entra a diseccionar la obra fotográfica de uno de esos monstruos del género. Hablar de Jeff Wall es hablar de gran parte de la fotografía del siglo XX, y no solo del hecho fotográfico en sí, sino de la nueva consideración que de esta disciplina y su vinculación al entramado social y artístico, el artista canadiense ha sabido establecer entre su obra, su vida y sus pasiones artísticas.

No cabe duda que sus fotografías con un foco de luz que las ilumina son un atractivo reclamo para el espectador, pero con todo, la mayor impresión procede de aquellas otras imágenes donde el tiempo inmoviliza la vida de sus ocupantes, un suspiro que, tras conocer la forma de trabajar del fotógrafo produce la mayor de las admiraciones ‘In front of a night club’, u ‘Overpass’, traducen a imágenes su forma de atrapar la realidad, generando una escenografía medida hasta el último detalle y donde se destierra la casualidad para generar «la autoría en la ficción absoluta de la puesta en escena», según Ian Wallace, pero esa capacidad de condensación de limitar los gestos hasta lo insospechado, sorprende también cuando la contención se lleva a la pequeña escena ‘Spring Snow’, propicia esa sensación que juega también con lo pictórico, lo matérico de una vida contenida y llena de sutiles detalles. Toda esta acumulación de percepciones arremete de manera intensa contra el visitante que recorre esa abrumadora primera planta del CGAC, pero antes de llegar a ella debemos entender muchas cuestiones. Elementos que se van descubriendo en los diferentes espacios del centro artístico.

Un descubrimiento que va desde la iniciática fotografía de finales del siglo XIX a las performances de Bruce Nauman o desde la fotografía de Walker Evans, Helen Levitt o August Sander hasta el cine de Buñuel, Truffaut, Pasolini, Kubrick o Malick. Epígonos que tienen su momento en el recorrido de la exposición y que nos satisface tanto o más que la propia obra del autor protagonista. Emblemas de la cultura que han ido jalonando la vida de Jeff Wall y que ahora se materializan desde la génesis de su propia obra. Brillante este planteamiento ya que permite la contextualización y la interrelación de los diferentes componentes que se abocan en su trabajo fotográfico. De esta manera recorremos el siglo XX y desembocamos en este inicio de siglo complejo y en muchas ocasiones distante con el ser humano.

Estas ‘ilustraciones de historias’, como el propio Jeff Wall define a la fotografía, se van acolmatando en las veredas de ese Sendero sinuoso (‘The Crooked path’), expresión que sirve de acertado título a la muestra, como metáfora de una creación que lejos de la línea recta, de conducirse por caminos establecidos, busca su propio itinerario casi siempre desde el lado salvaje, alejado de una humanidad cada vez más deshumanizada. Lo recorremos de buen grado, con la satisfacción de acercarnos a un gran personaje, pero también, con la alegría de ver que otras sendas parecen querer volver por el buen camino.

Publicado en Diario de Pontevedra 15/01/2011

Fotografía: CGAC