miércoles, 28 de agosto de 2019

Un camino de valentía


Rue Saint-Antoine nº 170
Pintura. Deside constituye una de las cimas de la pintura gallega en las últimas décadas. Una cima que pocos se han atrevido a escalar por lo complejo de su apuesta, un informalismo alejado de los gustos del público, pero obligado para quien entendía la pintura como un incuestionable posicionamiento vital




¡Bendiciones al pueblo que recuerda a los suyos! Y esto es lo que lleva haciendo el concello de Marín durante este mes de agosto, hasta el día de San Ramón, onomástica del pintor, en que se cerrará la exposición que reúne, en el Museo Manuel Torres de esta localidad, un buen número de sus obras a lo largo de tres salas en las que nos encontramos esa pintura de clara raíz informalista, tan difícil de ver en Galicia, más todavía, verla con esta calidad, que es la que defendió durante toda su vida Ramón Lorda Vidal, coñecido como Deside.
Y digo defender porque Deside hizo de su manera de pintar una defensa numantina de un estilo al que nunca renunció, aún a sabiendas de lo complicado que era en nuestra tierra hacer apostolado de esta pintura que en el resto de la península era una especie de reacción al adocenamiento pictórico de un franquismo que buscaba una pintura más dulce y ligada a un realismo que poco o nada podía decir desde un punto de vista de la creación autoral. Pero Deside se sumó a aquello que procedía de Cataluña, a los Tápies, Saura, también a Canogar o al canario Millares, y sus cuadros se convirtieron en una defensa del individuo, del creador, ante la sociedad, e incluso ante muchos de sus propios colegas. Supo Deside, desde el principio, generar su propio lenguaje desde la mancha, la densidad de la pintura, las sugerencias de las formas o los símbolos, para condensar todo en una obra propia, de una hermosa lírica que todavía hoy estremece cuando nos colocamos ante sus bodegones, ante esa pincelada empastada que diluye las formas, que convierte el lienzo en una atmósfera de sugerencias que impacta a un espectador que debe darle un tiempo a cada cuadro. Su manera de pintar no quiere visitantes con prisas, la pintura de Deside es una pintura del encuentro, del diálogo con ese espectador que debe poner también de su parte para ser esencia de esa conversación. Es, al cabo de unos segundos o minutos, cuando el cuadro revela su verdadera potencia, su capacidad para ser pintura desde esa atmósfera y cuando nuestros ojos descubren todo el trabajo y el discurso que hay detrás de lo que en un primer momento nos puede parecer una continuidad de manchas.
A Deside lo traté poco, pero el recuerdo es imborrable. En una primera ocasión en la Sala Teucro de la Xunta de Galicia en Pontevedra en 1999, allí le descubrí. La sorpresa de un informalista en este rincón peninsular me hizo pensar en que sucedía para que no se conociese más su pintura que me parecía de una extraordinaria calidad y valentía. Y quizás ese componente, el de la valentía, sea el que lo explique todo. Aquel que no busca las lisonjas de la crítica o los expositores, el que no renuncia a lo que cree como es su manera de explicar su forma de entender el mundo, siempre tiene más complicado el acceso a ciertos espacios. Pero esa verdad es ahora su gran bandera, la que volvió a ondear cuando pasé una hora inolvidable junto a él con motivo de su última exposición en el Café Moderno de Pontevedra en 2013, conversando para realizarle la que posiblemente fuese su última entrevista publicada en este medio. Allí, ante aquel conjunto de espectaculares piezas, maravillosamente iluminadas, que exaltaban sus densos negros, sus violentos rojos y verdes y la profundidad de sus grises, me encontré a un hombre al final del camino, fallecería tres años después, pero enormemente orgulloso de lo realizado. Alguien que todavía se emocionaba ante lo que se escondía en cada uno de sus cuadros, bajo cada una de esas pinceladas, entendidas como un desafío ante la pintura, pero también ante la vida.
Durante esta última semana de exposición tenemos aún la posibilidad de recorrer ese camino, de gozar durante unos minutos de la pintura de un valiente que hizo de la pintura, de su pintura, algo irrenunciable y parte ya del rico legado artístico del concello de Marín que ahora ensalza a uno de sus pintores. Ramón Lorda Vidal, Deside.



Publicado en Diario de Pontevedra 26/08/2019


miércoles, 14 de agosto de 2019

Zambujo no serán

O cantor alentejano amosou o porque da súa sona nun concierto cheo de calidade e emocións inesquecíbeis para o público


Ele sozinho. Ou case. Só unha guitarra serviu de acompañamento a António Zambujo para compoñer un deses seráns máxicos do Náutico do Grove, desta vez cun sotaque portugués que estremecía a alma e encollía a pel ante unha desbordante maneira de cantar.
O músico do Alentejo, toda unha referencia na música portuguesa, chegaba ao Grove tras uns días na Illa de Arousa participando nunha homenaxe a Zeca Afonso e, como traído polo vento e pola marea do Atlántico, desembarcou no Náutico, a carón dunha barquiña, para levarnos con el nunha travesía xa inesquecíbel pola súa interpretación e por unha música lusa que, como poucas, agradece a intimidade de cantar baixo unha árbore, a carón do mar e mentres o sol e a lúa miden as súas forzas.
Con ese envoltorio o interior só podía ser un regalo, e así foi dende a primeira das súas cancións, ‘Se já não me queres’, pertencente ao seu recente traballo ‘Do avesso’, do que foron xurdindo varias cancións como ‘Catavento da Sé’, ‘Multimillonario’, ‘Amapola’ ou ‘Madera de deriva’, coas que se forneceu un concerto que tivo, no canto de varias músicas tradicionais portuguesas, que o público recibiu con aplausos, intensos momentos de emoción.
E é que dende a emoción foi dende onde António Zambujo plantexou un concerto sen un «roteiro planeado» e que rápidamente deixou paso a que fose o propio público o que o marcase. Dende ese intre xurdiron as cancións máis populares do seu repertorio: ‘Pica do sete’, ‘Foi Deus’ ou ‘Lambreta’, entre outras, sempre interpretadas cunha sensibilidade e pureza que tiñan a quen sentira a música nun arreguizo permanente e que amosaba, dende a soedade do músico, un son ben diferente a como soan nese disco dobre que, xunto con Miguel Araújo, celebra o que foron vinteoito noites de éxito nos Coliseus de Lisboa e Porto, converténdose tamén en disco de ouro en Portugal.
Tamén houbo tempo para o sorriso, por cómo as notas na súa voz xogaban nun desafío coa propia música, un virtuosismo que amosou as condicións do cantor para facer ou entoar todo aquilo que desexe. O que volveu a demostrar cando cantou en castelán ‘Amapola’ e algún bolero. Músicas que o fascinan e que retomou dun dos seus músicos máis admirados, Caetano Veloso, tamén do disco de Nat King Cole no que canta en español e que, como el mesmo recoñeceu, adoraba pola entoación tan singular con que foi feito e que ata se atreveu a imitar.
Así foron pasando os minutos e cando nos dimos conta o concerto estaba a piques de rematar, xa só nos quedaba a noite, que falando do Grove non é pouco, pero tras marchar do escenario o músico volveu animado polo aplauso dun público que aínda quería máis. E entón foi cando chegaron as sorpresas, cando António Zambujo agradeceu ao seus amigos galegos, a familia que un escolle, presentes no recital, polo seu agarimo ao longo destes días e fixo que Uxía Senlle o acompañase para cantar xuntos, o mesmo que uns minutos despois fixo con Jorge Drexler, un habitual desta contorna no estío que subiu para cantar unha samba nun espectacular momento, deses que quedan prendidos de todo un verán.
Músico de excelencia, Antonio Zambujo medra na súa música dende o corazón do fado e o cante alentejano para trazar novos camiños dentro da música portuguesa. Guitarras eléctricas, influencias da música brasileira, como neste último disco, no que ata se incorporan sons da música clásica, da man Sinfonietta de Lisboa, xunto a músicos e produtores como Nuno Rafael, Filipe Melo e João Moreira, abrindo territorios que permiten seguir facendo da base fadista todo un universo por descubrir ao tempo que incorpora a novos públicos, tal e como están a facer Salvador Sobral, Ana Moura ou Mariza, quizais os nomes máis sobranceiros dende fóra das fronteiras portuguesas que están a situar a súa música, como ao propio país, nunha posición destacada a nivel internacional, sen renunciar a súa calidade e, por suposto, a unha identidade como comunidade que é irrenunciabel en todos eles.
O visto no serán do luns é boa proba desa circunstancia e sitúa a António Zambujo como unha das voces máis sobresaíntes da música internacional, pero sobre todo amosa a alguén que canta cunha maxia especial. Com certeza!



Publicado no Diario de Pontevedra 14/08/2019



lunes, 12 de agosto de 2019

Diálogo entre materiales

Rue Saint-Antoine nº 170
Escultura ▶ Miguel Muñiz y Miguel Saco llevan varios días uniendo fuerzas escultóricas en la sala de exposiciones de la pontevedresa galería Nemonon en una muestra que se clausura el próximo día 16. Un tiempo en el que todavía pueden aprovechar para sentir cómo el material es capaz de generar sensaciones diferentes, pero siempre impactantes




Si algo define a cualquier escultor es su relación con el material. El germen donde fundamentar su trabajo, el elemento desde el que vertebrar una concepción artística y una manera de dialogar con el espectador, pero sobre todo, con ese material.
Los ourensanos Miguel Muñiz y Miguel Saco llevan ya muchos años enfrascados en ese diálogo inagotable con el material como sustento de su obra, pero también con un espectador al que todo artista busca insertar en ella. Teclas de piano, maderas, piedras, hierros, objetos que ya han tenido un paso anterior por la realidad, son las que Miguel Muñiz gestiona como parte esencial de su trabajo.
Composiciones que surgen de la combinación de varios de esos materiales, de un mismo elemento, como puede ser el marfil de las teclas de un piano, o de varios, como sucede en sus piedras sobre maderas y sujetas por hierros. En todas ellas hay un intento visual por componer, un equilibrio de formas y color que dotan a sus piezas de sugerentes matices que nos llevan a la visibilización del sonido de la música, en el caso de sus obras realizadas con teclas, o un trabajo más vinculado a la naturaleza, con esas otras obras que surgen del tiempo y los efectos que el entorno natural produce en materiales que el escultor recoge de su lugar de origen. Muchos de ellos en nuestra geografía, como si Galicia misma cincelase eses materiales para, una vez recuperados y analizados por Miguel Muñiz, verse dotados de una inesperada potencialidad escultórica y de la capacidad de convertirse en algo bello frente al espectador.
Su compañero de la exposición titulada ‘Entre el caos y la armonía’, Miguel Saco, realiza una propuesta muy diferente, pero de nuevo con una fuerte impronta del material.
Sus piezas minimalistas, generan una percepción casi irreal, como si esas obras pulidas, refulgentes desde un color vibrante, capaz de suscitar en ese mismo espectador la sensación de encontrarse ante un objeto que únicamente se define en base a esos tres elementos: color, forma y superficie. Recupera Miguel Saco los postulados de esa corriente escultórica que se rebeló contra muchas de las propuestas artísticas en los años sesenta y setenta del pasado siglo. Este creador, gran experto en objetos del siglo XIX y XX, en cuyo peritaje y recuperación se ha especializado desde su marcha a Nueva York hace ya varias décadas, no ha dudado en apostar por una escultura de una profunda intimidad, como retomando esa reacción ante un mundo lleno de distracciones y confusiones para un ser humano cada vez más incapaz de buscar la concentración y, porque no, la emoción en un objeto sencillo, en una especie de gesto de rebeldía que hoy en día sigue siendo tan válido como el de aquellos outsiders norteamericanos.
Dos propuestas que nos conducen a la importancia del material como algo que va más allá de ser un mero soporte, ya que se convierte en el catalizador de las inquietudes de estos dos hombres que, a su larga labor profesional, le han unido la capacidad de dialogar con el mundo, desde la escultura entre el caos y la armonía.



Publicado en Diario de Pontevedra 12/08/2019

Engaiolante maridaxe musical entre Abe Rábade e Salvador Sobral

Os ‘Xoves de Codax’ plantexaron unha fusión dende ambas partes da raia que amosou as súas posibilidades cando ambas culturas traballan xuntas


Bruaba o vento no exterior das adegas Martín Códax, ao tempo que unha forte choiva enchía de forza ás vides no seu treito final, para acadar, a uva albariña, a súa necesaria dozura. E dozura foi a que nos atopamos nese encontro entre Abe Rábade e Salvador Sobral, dous enormes talentos que proxectan a música galega e portuguesa por todo o mundo. No escenario dos ‘Xoves do Códax’ ambos amosaron a importancia das respectivas culturas e do que é quen de xurdir cando se borran fronteiras, cando as barreiras deixan de estar na mente e nos poñemos a traballar en común. O «convivio» destes días, que ambos mantiveron para preparar o concerto, levounos non só por músicas de cadanseu país, tamén por poemarios como os de Celso Emilio Ferreiro ou os chamados poemas galegos de Federico García Lorca. Todo pura emoción, alentada pola maneira de cantar de Salvador Sobral, cos seus xiros vocais, e esa interpretación tan persoal que adoita facer, non só coa voz senón co corpo. Dende a primeira canción, puro ‘crooner’, amosou a súa capacidade para facer música, non só coa palabra, senón con sons que simulan instrumentos, golpeando o seu peito ou o piano de Abe Rábade, por certo, que maneira ten tan marabillosa de tocalo o músico compostelán!
Un concerto que medrou en intensidade entre as músicas e as palabras dun Salvador Sobral, cheo de humor, que explicou de xeito honesto os problemas que tivera nese día coa voz, o que engadiu ao recital un maior esforzo. Mesmo en varios instantes sentiuse apurado por esa voz que quería fuxir do seu corpo, pero sempre soubo distraer ao público co seu talento e o dominio da escena.
Letras en galego, en portugués, en inglés ou en francés. Palabras do mundo que xorden do seu gusto pola música, lonxe de fronteiras, como se reflicte no seu último disco, ‘París Lisboa’, e nun concerto que quedará gravado nos que escolleron escoitar a dous xigantes da música que cando se xuntan son quen de provocar esa catarse que é a que sempre se procura cando se actúa en directo. Un pianista descalzo e un músico que canta co corazón na man foron quen de conseguila, mentres a choiva enchía a terra de dozura.



Publicado no Diario de Pontevedra 10/08/2019
Fotografía: José Luiz Oubiña

martes, 6 de agosto de 2019

No trazo da deriva

Rue Saint-Antoine nº 170
Xaime Toxo ofrécenos en ‘A casa sen nós’ (Laiovento) unha poesía fronte ao temporal no que se converte a vida, o sentir ante un horizonte que exerce de límite entre o mar e o territorio no que se desenvolve o eu. Un poemario íntimo que se abre á experiencia dunha navegación en terra na que tempo e memoria constrúen o que somos


O ollo dun peixe no que reflectirnos. A sensación de habitar un espazo construido dende a memoria e a experiencia da vida. O contacto co territorio, a sensación da pel como veludo fronte ao que acontece na nosa contorna. Xaime Toxo (Bueu, 1955) presenta en ‘A casa sen nós’, publicado pola editorial Laiovento, un caderno de bitácora do que supón converter a vida nunha achega de materiais para facelos escrita: «o son das palabras con que trazamos esa deriva», escribe o autor nun dos textos con que se abre este poemario dividido en Mareas, en Cadernos da escrita e en Materiais de mar. Compoñentes dunha poética referencial da identidade de quen precisa do mar como diapasón fronte a vida. O tamaño do mar. A liña do horizonte. Medidas dunha existencia que parte dos devanceiros, dos que foron para ser hoxe o que somos. Unha construción identitaria artellada dende un espazo físico xa que, como escribe o autor, «ninguén, agás o territorio que pisamos, sabe de nós».
Fotografía de Juan de la Sota
Un poemario das mareas, de palabras salgadas, de sensacións que xorden das escumas que se botan á cara, de miradas que se dirixen ao mar a través dunha fiestra. A casa, o que somos, o que precisamos ser ante a medida do real, máis tamén do que semella irreal. Leveda o libro grazas as fotografías que se inclúen nel, con gran acerto, de Juan de la Sota. Un descanso para a lectura que se esvaece ante a potencia da imaxe. Identidades que se enguedellan ao texto para plantexar un imaxinario que completa a palabra nunha fértil maridaxe que alenta esa sensación do casual, daquilo que non semella ter importancia, pero que na balanza rebélase como o máis importante. Un instante que afoga no cotiá, pero que permanece somerxido no noso interior, insondábel, a espera dese momento da catarse no que volve á superficie.
Xaime Toxo artella tamén ao longo do poemario a importancia do casual, do camiño como o lugar no que fornecermos a nosa personalidade, no que as engurras e o cabelo branco traducen a experiencia dunha navegación moitas veces incerta, sen rumbo fixo, ao pairo. «A nós tamén nos constrúe ese navegar,/o andar errático,/deixarnos ir ao chou», escribe o poeta, dentro deses Materiais do mar. Nesa deriva explicámonos, e nesa deriva constrúese cada poema, nos días de néboa, pero tamén nos da calor luminosa, é dicir, poemas que a vida plantexou para que Xaime Toxo fiase este navegar pletórico, que o revela como un excelente poeta dotado dunha gran capacidade para que a linguaxe posúa a facultade de escintilar ao longo da escrita: «palabras que alimentan o brillo dunha vela/ que arde tremendo no pasado».
A casa sen nós’ presentaráse en Bueu o vindeiro venres 9, ás 20.30 horas, na Sala Domínguez Búa, cos pés na terra e os ollos no mar. Vento nas velas!



Publicado no Diario de Pontevedra 5/08/2019