miércoles, 31 de octubre de 2018

Casado, 1985

Tras cien días en el cargo sus intervenciones muestran a un político que busca más recuperar el pasado que conquistar el futuro
 

Entró como un vendaval por las puertas abiertas de par en par que había dejado Mariano Rajoy sin ningún tipo de cerrojo tras su marcha del partido. Se erigió entre Soraya Sáenz de Santamaría y Mª Dolores de Cospedal (vaya papelón el suyo tras las escuchas de Villarejo) como la esperanza de un nuevo rumbo dentro del Partido Popular que todos advertíamos y hasta deseábamos como parte de una necesaria renovación, que parecía casi obligada para alguien al que su Documento Nacional de Identidad asegura que tiene 37 años, y valorando siempre la complejidad que eso conlleva dentro de un partido al que le cuesta siempre dar saltos hacia delante. Pablo Casado, después de cien días en el cargo, si algo ha dejado claro es que le preocupa mucho más recuperar el pasado que lograr alcanzar un esperanzador futuro, tanto para su organización como para la sociedad a la que se debe, desde su llegada a la presidencia de un partido con vocación de gobierno.
Colgado permanentemente del brazo y del ideario de José María Aznar, todo en él es un mirar hacia atrás buscando el camino que lo impulse hacia La Moncloa en base a antiguas esencias que aromatizaron el partido en tiempos pasados. Como si recuperar las acciones de décadas atrás fuera el seguro para afianzar su liderato entre sus afines y entre votantes indecisos. La última de sus vertiginosas iniciativas ha sido la propuesta realizada ante la periodista Ana Pastor el pasado domingo en La Sexta, cuando en los momentos en que la entrevistadora le permitía hablar y en relación al tema del aborto manifestó la intención de recuperar la ley del aborto de 1985, esto es, una ley de cuando Pablo Casado tenía cuatro años y un pijama de Naranjito que comenzaba a tener bollos. Por muy poco que haya cambiado esta sociedad en esos temas, como en otros que afectan a las libertades individuales del ser humano, algo hemos evolucionado, con lo que intentar plantear a estas alturas del siglo XXI un regreso atrás en el tiempo, cuanto más hasta 1985, supondría un brutal retroceso en los derechos de las mujeres.
Quizás tanto mirar hacia atrás impide a Pablo Casado comprender a la sociedad española actual, quizás circunscribir la mirada a los intereses de su partido le impide percibir qué sucede en una realidad que semeja no tener nada que ver con aquella en la que el político se maneja. Cierto es que estos primeros días son los de intentar hacerse fuerte dentro de su grupo, reafirmando valores que se consideran seguros para el respaldo de los suyos, como la unidad territorial, el aborto, el pim pam pum grosero al gobierno socialista, el cobijo bajo el bigote de Aznar... en definitiva, una derechización de esa, por otro lado, dudosa centralidad de la que algunos habían hablado sobre el Partido Popular en tiempos de Mariano Rajoy. Pablo Casado parece tener claro que agrupar la manada es lo primero para luego lanzarse contra el enemigo, porque así plantea el asalto al poder, como una confrontación bélica con sus rivales en la que todo vale, y en la que la competencia de Ciudadanos y la irrupción de VOX no ha hecho más que tensar todavía más al partido y a su líder ante la posible pérdida de votos por esas confluencias ideológicas.
Y con estas decisiones y actitudes se aproximan tiempos en los que los miembros del Partido Popular tendrán que mostrarse ante la sociedad, con unas elecciones municipales en las que los candidatos se verán atrapados entre sus propias intenciones y las consignas que lleguen desde la sede de Génova. Cien días después Pablo Casado avanza velozmente hacia atrás.



Publicado en Diario de Pontevedra 31/10/2018
Foto: Kai Fosterling (Efe)


lunes, 29 de octubre de 2018

Valados de fermosura

Rue Saint-Antoine nº 170
Memoria. Escrita, memoria e arte xúntanse na intervención que se vén de inaugurar esta fin de semana na avenida de Eduardo Pondal. Un mural no que Polo Correo do Vento homenaxea á María Victoria Moreno, nun dos últimos actos de lembranza á escritora á que se lle adicou este ano o Día das Letras Galegas e cuxo recordo agora será permanente.


«As persoas estamos feitas para levar adiante os proxectos máis fermosos». Así o escribiu María Victoria Moreno en ‘Anagnórise’, e así aparece na placa que a lembra dende a ponte que dá comezo á Avenida de Vigo, a rúa na que viviu a autora homenaxeada co gallo do Día das Letras Galegas deste ano. Agora, dende ese mesmo punto podemos seguir achegándonos a súa figura a través dun fermoso mural que enriquece, non só a nosa cidade dende o punto de vista artístico, recuperando un espazo descoidado; senón que enche a nosa memoria dunha homenaxe convertida en permanente hacia unha muller que non só dende a súa faciana de escritora o merece, tamén dende o aspecto humano como activa cidadán que conviviu con nós. 
 Polo Correo do Vento son Mau e Pin, escritor e debuxante, pero sobre todo activistas da cultura que sementan alí onde máis poden medrar as ideas e os sentimentos, isto é, nos nosos cativos. Eles, xunto coa artista Tania Solla, enfrontáronse valentemente a ese valado perdido para a cidade, un soporte que, como tantos que temos, precisaba dunha reconversión e que como vemos agora pode ofrecer excelentes resultados. A súa mirada tenra sobre a autora, perfectamente dirixida ao público máis miúdo, reflicte a relación con Galicia a través da lingua, e con Pontevedra, cidade da que namorou en canto chegou a ela. Formou con esta vila de «orgullo feito de pedra e camelia» unha unidade, unha complicidade que se desenvolveu dende a súa relación cos cativos cos que coincidía no parque de Campolongo, tamén cos seus alumnos no IES Torrente Ballester, aos quen tanto lles deu e dos que tanto recibiu; tamén cos seus queridos cans que a obrigaban a pasear e a camiñar polo seu barrio no que deixou unha desas inesquecíbeis pegadas inmateriais, pero que o tempo está convertendo en presenzas físicas e en lembranzas e homenaxes que neste seu ano non deixan de medrar ata que remate.
A afouta escolla de Mª Victoria Moreno por Pontevedra e pola lingua coma canle de expresión, ela que chegara procedente de Extremadura en 1963, seguen a sumar xestos de recoñecemento. Ela deixounos os seus libros pero sobre todo a sinal do ser humano, e agora a cidade devólvelle o compromiso con xestos como este. Alí están a escola, a escrita, os libros que van e veñen voando e unindo as persoas, os cans, o seu coche que ata tiña nome, Teresita, a súa cadela, e esa bolsa de lamberetadas que a acompañaba sempre para repartir entre as súas cómplices amizades, ás que enchía de contos e narracións como a interminábel do heroe Ulises que lles contaba aos nenos nun chanzo a carón da igrexa de Campolongo, e que tan ben nos contou Montse Fajardo. Palabras e agora mural, para lembrar, pero sobre todo para non esquecer.



Publicado no Diario de Pontevedra (29/10/2018)
Fotografía: Javier Cervera-Mercadillo


Presenzas

Foguetes verdes (2)
No Museo do Mar de Galicia en Vigo podemos facer un percorrido pola obra de Antón Goyanes. Unha pintura chea de tempos e de espazos, pero, sobre todo, de presenzas que a explican.


A CARÓN DO MAR a obra de Antón Goyanes (Monforte, 1934) emerxe como unha gran balea pictórica. O resultado de toda unha vida de navegación polo mar da experimentación e as sensacións que se poden envorcar sobre un lenzo. ‘Goyanes. Unha escolma pictórica’ amosa de xeito reflexivo cada un dos momentos que atravesou este pintor e, se algo trascende nunha primeira ollada, é a coherencia e a lóxica que fía cada un deses momentos entre eles, que nos fan concluír na harmonía conceptual dunha obra resistente ás modas, valente de si mesma e que fala dun pintor que ten moi claro por onde conducir esas expresións. 
As dúas grandes salas que acollen a súa obra, con pezas moi definitorias de cada un deses momentos, xera un espazo de acougo moi oportuno para sentir o que nos quere decir esa pintura. Sentados ante esas pezas un sente a presenza dun ser humano que se contén nelas, aínda sen estar ás veces presente. Toda unha poética que fai das súas obras campos abertos, pinturas expandidas máis alá do lenzo que nos levan, en moitos casos, aos territorios onde foron concebidas. Toledo, Vilanova da Cerveira ou Roma, entre outras xeografías, xorden da asimilación de sensacións do pintor, condensándose nestas superficies a través das formas e das cores. Son espazos dunha emocionante liberdade convertidos en territorios dunha febril suxerencia. É por iso que emociona achegarse a unha pintura que arrinca no ano 1968, e en obras como ‘Sombras’ de 2017, segue defendendo esa territorialidade como unha patria.
A súa pintura dos anos setenta foi un berro de rebeldía, unha rompente na domesticación de moitos xeitos de pintar que en Galicia víñanse arrastrando coma unhas pesadas cadeas nos nocellos de non poucos creadores. Irrumpiu Atlántica e nomes como o de Antón Goyanes plantexaron, desde esa liberdade conceptual, e case vital, un novo ronsel polo que moverse e polo que latexar o feito de pintar. Aquela figuración que vemos nos fermosos murais da Estación Marítima de Vigo foron paseniñamente disolvéndose nunhas atmosferas protagonizadadas pola cor, a mancha e a suxerencia desa presenza que nunca marchou de xeito definitivo.
Con todo, o máis importante á hora de achegarse á obra de Antón Goyanes é a conformación do cadro, a construción dos espazos no seu interior. Unha paisaxe abstracta na que conflúe unha poética que sublima a propia existencia do ser humano, redefinindo a obra dende esa perspectiva, cunha forte depuración formal. Unha limpeza cada vez maior da superficie da obra que en pezas de 1994 como ‘Areal’ ou ‘Diante do cadro’ (ambas na imaxe) plantexa toda a potencialidade dese territorio pictórico no que a figuración humana convértese nunha paisaxe existencial e xeográfica a un tempo, na que a contemplación do espectador é a parte precisa para completar a escena na que o pintor plantexou, de xeito deliberado, un non espazo para que sexamos nós os que construamos aquilo que precisamos.
Grises e amarelos equilibran o conxunto xeral dunha exposición no que tampouco se renuncia aos verdes e vermellos, pero que funciona dun xeito moi equilibrado grazas a unha perfecta distribución e integración das pezas no espazo que lle confiren a exposición ese senso de percorrido cómodo e agradábel para o visitante.
Pintor, muralista, gravador ou escultor a obra de Antón Goyanes é parte fundamental da plástica galega. As súas achegas ao longo dos anos configuraron un traballo ao que é preciso volver de cando e cando. Agora, nas salas do Museo do Mar de Vigo, baixo a arquitectura de César Portela e ante as escumas da ría volvemos a enfrontarnos a ela, recuperando a emoción por todas esas presenzas que a sosteñen e a explican.



Publicado en Diario de Pontevedra/El Progreso de Lugo 26/10/2018


miércoles, 24 de octubre de 2018

Puños de rabia


Cuando escribo estas líneas Julen Lopetegui sigue siendo entrenador del Real Madrid, pero cuando ustedes las lean, quizás ya no lo sea.
Llevamos viviendo unas horas, unos días en los que se está paseando el cadáver deportivo del entrenador blanco por todos los medios de comunicación, una especie de holograma fantasmagórico al que todo el mundo ve ya casi más como una aparición que como un ser de carne y hueso. Todos sabemos, comenzando por él mismo, que tiene las horas contadas, que ya sólo falta imprimirle a la tapa del yogur la fecha de caducidad para que se produzca la sucesión en la Casa Real.
Y es que todo lo que sucede en Chamartín tiene ese halo de gran tragedia, de épica monárquica revestida de una historia venida a menos en los últimos años que sólo el tándem Zidane-Ronaldo mantuvieron firme en la Liga de Campeones. Ahora, sin ellos, y sin repuestos de su envergadura, el Real Madrid se ha visto disuelto en la mediocridad de un entrenador que ha tocado muy pocos trofeos en su vida, tanto como jugador, como desde la gestión de los equipos que ha dirigido. A esa endeblez se le debe sumar la herida todavía abierta con su surrealista y traidora salida de la Selección Española en plena concentración del Mundial de Rusia y en la que el brillo del anillo de Florentino Pérez pudo más que la profesionalidad y el orgullo de llegar lejos con su Selección, sumiendo, no sólo al que era su equipo, sino a todo un país en un estado de depresión. Quiso abarcar mucho el míster, y ahora se va a ver apretando bien poco, quizás solamente los puños de rabia en la intimidad ante aquella decisión que ya sabemos todos seguirá defendiendo públicamente como algo que no se podía rechazar y tal y tal. Palabras que nos hablan de los destinos del hombre, de las ganas de llegar a los sitios antes de tiempo y del descalabro que suele acontecer cuando eso pasa. Y mientras, ese ser superior, ese presidente que acaricia gatitos al calor de la chimenea, valora a quien le encarga el nuevo rumbo del Real Madrid, seguramente escuchándose a si mismo. Nadie le pedirá explicaciones por entrar como un elefante en una cacharrería en el plácido ecosistema de la Selección Española a punto de iniciar un campeonato para el que se llevaba esperando cuatro años, tampoco nadie le preguntará sobre qué condiciones había visto en el ex seleccionador para gestionar la insondable galaxia blanca o que es lo que llevó a Zidane una mañana a despertarse decidiendo que aquel día iba a ser el último al mando de un equipo que sabía manejar a las mil maravillas. Tampoco se esperan demasiadas explicaciones por estas últimas horas en las que se mueven los hilos de una persona que sigue en el cargo mientras se tantea, consulta y negocia con otros entrenadores.
Hemos visto muchas cosas en el universo del fútbol, ¡y las que nos quedan! Lo lógico es que el Real Madrid hubiese ganado ayer, incluso que golease a su flojo rival, hasta se puede estirar la goma y que Lopetegui entre en el Camp Nou con el ánimo de vencer, y puede hacerlo, tiene equipo para ello, pero todo parece que con independencia de lo que suceda a lo largo de esta semana el fin de su relación con el Real Madrid será ya irreversible. Lo que en junio era un proyecto que se planteaba para las próximas tres temporadas se ha quedado en poco más de tres meses, confirmándose aquello de que lo que mal empieza mal acaba, pero lo único importante, no lo duden, es que haya otro gatito que acariciar.



Publicado en Diario de Pontevedra 24/10/2018
foto (J. Lizón. Efe)


lunes, 22 de octubre de 2018

Palabra que é mar

Rue Saint-Antoine nº 170
Literatura ▶ A entrega dos Premios Xerais no Museo do Mar de Vigo conformou un ronsel de escumas literarias que deixan o pouso dunha nova etapa na editorial da man de Fran Alonso. Un novo escenario, e unha presentación diferente dos libros premiados, xa presentes nese acto, conviviron co aplauso ao anterior director, Manuel Bragado

Foto de familia dos gañadores e dos xurados dos premios (Xerais)

Irrenunciábel o axóuxere do mar. As mesmas escumas, a mesma ría. O cambio de escenario, do máxico altar sobre o mar da Illa de San Simón, ao Museo do Mar de Vigo, non renuncia a nada de todo o que se agochaba na entrega destes premios literarios a cargo da editorial Xerais. Tres galardóns, o Premio Xerais de Novela na súa XXXV edición, o Premio Merlín de Literatura Infantil na XXXIII e o Premio Jules Verne de Literatura Xuvenil que chega á súa X entrega, convocáronnos de novo no qué é un acto festivo arredor da escrita, arredor da palabra e da lingua. Autores, libreiros, xestores, xornalistas, críticos... maridaron a súa paixón polas letras coa convivencia co gremio. Palabras que se afundiron nun serán de novo especial envolto pola arquitectura de César Portela e un horizonte que enmudecía aos presentes pola súa beleza, pola feminidade deitada sobre as ondas dunhas Cíes que xa son dende esta edición símbolo destes premios.
Non foi un ano sinxelo para a editorial Xerais. Un tsunami na dirección apeou do cargo a Manuel Bragado, tras case 25 anos no cargo. Nunca esta terra poderalle agradecer bastante o feito, non só no eido editorial, senón noutras canles de transmisión do literario e cultural á sociedade. Por iso cando o sábado se lle recoñeceu o seu labor dende a palabra de varias persoas que tiveron a oportunidade de facelo en público os aplausos dos presentes soaron como unha batente do mar chea de respecto e fondo agradecemento. O primeiro en facelo foi o novo director, Fran Alonso. Unha sucesión tan tranquila como intelixente polo valor do elexido. Valor como xestor, que xa comeza a confirmarse dende novas publicacións da editorial, pero valor tamén como autor, como poeta que procura novas canles de expresión co público e sobre todo cun novo público que semella renunciar ao combate co papel. O seu discurso foi soberbio e deu paso á entrega duns galardóns nos que semella hai tamén moito da súa proposta literaria. Obras transversais nos seus xéneros de narrativas que se poetizan e de poesías que se volven narrativa na procura dunha nova maneira de aproximarse ao lector.
A diferenza doutros anos a emoción e os nervos de coñecer aos gañadores, xa anunciados dende o mes de xuño, tradicional mes de entrega destes premios, substituíuse por unha emoción non menor ao poñer a editorial nas nosas mans, co apoio da Xunta de Galicia, os exemplares premiados e xa editados. Un acerto que se completou cunha presentación distinta dos premios  a través dunha conversa cos tres galardoados da man da sempre eficaz e brillante xornalista Teresa Cuíñas. Asi foi como Emma Pedreira, gañadora do Premio de Novela con ‘Besta do seu sangue’; Héctor Carajaville vencedor do Premio Merlín con ‘Kusuma’ e Carlos Negro, que acadou o Jules Verne con ‘Aplicación instantánea’, explicaron o proceso da construción da súa obra, o que se agocha tras cada unha delas e as súas pretensións literarias que, dende estes días, acadan para todos eles unha nova dimensión.
Naquel Museo, naquela sala, chea de efectos navais a un lado, mentres ao outro o mar xogueteaba paseniñamente coa costa, voltamos a vivir unha desas citas incomparábeis no calendario das nosas letras. Houbo tempo para gabar aos premiados, para aplaudir a Manuel Bragado, para suliñar a importancia de seguir mantendo estas liñas editoriais como parte dun sistema literario galego coa forza necesaria para resistir as treboadas que escurecen os fermosos horizontes, tamén para lembrar a quen nos deixou neste ano, Xabier P. Docampo (aínda refulxen as cereixas do seu discurso nestes Premios de hai uns poucos anos), para sorrir coa lembranza a quen nunca nos deixou, Agustín Fernández Paz, pero sobre todo para sentirmos parte dunha colectividade, dun elo indivisíbel sustentado pola nosa escrita que non renuncia, nin renunciará a navegar sempre polo mesmo mar. O mar da palabra.



Publicado no Diario de Pontevedra 22/10/2018


sábado, 20 de octubre de 2018

A Torre


Foguetes verdes (1)
Hai libros que son moitos libros. ‘A torre’ de Antonio Sandoval é un deses relatos bulideiros abertos a todo un conxunto de saberes e sensibilidades arredor dun dos nosos símbolos.



É UNHA DAS iconas da nosa terra: a Torre de Hércules. Símbolo, non só dunha cidade, senón dun tempo e dunha cultura esencial na nosa terra. Faro aínda afouto que exerce unha especie de dominación do territorio que o rodea. Un espazo cheo de pegadas naturais e históricas, de persoas e acontecementos que sementaron séculos e séculos da nosa historia.
Antonio Sandoval Rey é escritor, comunicador ambiental e ornitólogo, e a súa proposta neste texto tan interesante como engaiolante. é o de camiñar pola contorna da Torre, fronte o Atlántico de escumas salgadas que renovan o seu rito mariño con cada batida do mar. Un espazo, polo tanto, definido pola egrexia presenza da Torre de Hércules, coa súa longa historia de cambios e modificacións a través dos séculos, pero esa historia tamén se pendura noutros espazos da contorna. Todo un territorio no que a natureza ten un forte protagonismo. Aves que voan e habitan nesa cornixa natural. Camiños polos que moverse e facer da andaina unha experiencia sempre diferente.
O certo é que o libro está baseado nesa idea do camiñante, da relación da persoa coa contorna que logo transfórmase en palabra. Case un diario que funciona como un compás indicándonos toda unha serie de direccións que tomar. Unha exploración baudeleriana que se transmite cunha forza panteísta, pero tamén con fondas pegadas poéticas que, en certas partes do texto, ofrécense conmovedoras. Un faro cuxa luz alumea non só na escuridade senón nese devir do tempo que leva ao autor a pescudar en sucesos tráxicos como os fusilamentos da Guerra Civil ous os naufraxios contaminantes de barcos como o Urquiola, o Erkovit ou o Prestige, por citar só algúns desa Santa Compaña exterminadora que se ensaña coa nosa costa. Pero ese territorio tamén é o de Monte Alto, o de Xurxo Souto, o de Manuel Rivas e de moitos outros que escribiron e sentiron o acubillo secular desa construción. Relato tamén de soños e de pinceladas. Lugrís e o azul eterno. Pero tamén a Torre como unha especie de menhir que vencella o pasado co presente. O pasado da romanización e a chegada ao poder de Donald Trump. O pasado dunha nova linterna encargada en Londres en 1794 e o tempo de escuridade da posverdade. Esa intelixente prospección de tempos e diversidades narrativas son as que lle dan pulo neste libro que un le con auténtico gozo. Unha delicia que acada dúas das misións principais de calquera libro, o de adquirir coñecementos, a través de toda unha serie de datos e achegas sobre o que rodeou á Torre e á propia cidade da Coruña; e o de pensar. Estamos ante un libro de reflexións que o autor de xeito atinado vai apuntando polo medio doutro tipo de consideracións. Pensamentos sobre a nosa realidade social, a política, a socioloxía, a economía, a ciencia, o mundo da imaxe, os medios de comunicación e, por suposto, o ecoloxismo, unha baliza sempre afouta neste camiñar por unha zona cambiante: «A cidade vibrante, asida polo seu istmo ao continente, é a man que sinala estes símbolos co índice que chega en forma de rampla ata a Torre. O ceo é meditación que lle suxiren. Unha luz cambiante colorea cada hora o ánimo desta paisaxe. E, xa que logo, tamén o dos que por aquí paseamos», escribe Antonio Sandoval Rey.
Esa é a clave de todo, o paseo. A sensación de fincarse nun espazo domiñado por esa gran escultura, un land-art luminoso, ante o que deixar as nosas pegadas como tantos outros fixeron con non demasiada diferenza das nosas impresións hoxe, cando cada vez se lle dá menos valor a ese acto de sentirse en relación á natureza, de camiñar e de facer da experiencia aprendizaxe. ‘A Torre’ é xustamente iso, aprendizaxe e experiencias convertidas en literatura.



Publicado no Diario de Pontevedra/El Progreso de Lugo 19/10/2018
Foto: Cabalar


jueves, 18 de octubre de 2018

Eduardo Arroyo. Pintor


Esas palabras serán las que figuren como epitafio en su tumba de Robles de Laciana (León). ‘Eduardo Arroyo. Pintor’. Un nombre y un oficio, el de pintor, que honró como pocos. Pierde el universo de la plástica a uno de sus más destacados y comprometidos activistas, porque así es como habría que definir a su pintura, una pintura ejercida desde el activismo. En primer lugar para reclamar su tradición y poder de fascinación a lo largo de la historia del arte, y en un segundo momento, por la implicación con una sociedad a la que tantas veces desnudaba con sus obras, a través de sus figuras, con el grito de sus colores, con sus ávidas miradas a una realidad demasiado convulsa. España, como siempre, con sus coces y sus cabezazos, capaz de lo mejor y de lo peor, fue, poco a poco, desfilando por las obras de Eduardo Arroyo como en una carnavalada solanesca. Los ecos de Goya, el recuerdo de Velázquez. Los dos genios a los que rendía culto, no sólo a través de su pintura, sino de repetidas visitas al Museo de El Prado donde todo empieza y todo acaba para cualquier pintor. Donde la pintura se manifiesta en una especie de epifanía que rinde de manera irrebatible a quien se enfrenta a ella. Desde Goya y Velázquez, Eduardo Arroyo continuaba inmerso en la tradición pictórica hispana de evocar desde su obra los grandes males que nos acosan y que es imposible nos podamos sacudir, así pasen las generaciones que pasen.
Su cabeza, esa misma que reposará, según escribe Juan Cruz en El País, sobre un viejo ejemplar de Robinson Crusoe (toda una declaración de intenciones frente a la eternidad), era una coctelera en la que agitaba su inteligencia, su agudeza y una visión descarnada sobre la política de este país. A todo ello le daba salida desde la escritura, la escultura y sobre todo la pintura. Artes que formaban parte de una existencia enérgica que buscaba una especie de regeneración humana a través de los mitos, que ya sabemos nunca defraudan. De su pintura participaban todos ellos, desde una efectiva puesta en escena sin distracción alguna de colores planos y figuras sobrias, en ocasiones retadoras con el espectador. El universo del Barroco tensado con un lenguaje actual y desafiante con su propio tiempo. Tantas veces ajeno a su obra, tantas veces inquisidor, como en el agónico franquismo, al que sometió a la prueba de su pintura descosiéndolo con cada pincelada mientras el monstruo lo perseguía irritado.
Emerge así un universo particular, una estética de la demolición de una España cutre y soez, incapaz de reivindicar su enorme poder a partir de unas inmensas capacidades pero que tantas veces emplea para autodestruirse. De ese proceso es del que se nutre en mayor medida la obra de Eduardo Arroyo, sabedor de que en ese intersticio se encuentra siempre un volcán en erupción, un magma a la que ninguna paleta puede equipararse. Sus exposiciones siempre fueron una inteligente y certera radiografía de este país. También sus conversaciones con otros pintores, intelectuales o personas de lo común, con las que gustaba charlar dejando patente su vasta cultura y el poder de ésta como único camino posible de regeneración.
Su pintura libre y libertaria es ya un hito en nuestra cultura. Enjuto y descarnado, un Zurbarán con chaqueta, en los últimos meses todavía se enfrentó a los grandes, como a ese Rembrandt que reinterpretó para una exposición en Francia. El fin estaba ya cerca, pero aquel manantial, el de la mejor pintura, era el único del que poder beber hasta la llegada de la parca para alguien cuyo oficio era, ni más ni menos, que el de ser pintor.


Publicado en Diario de Pontevedra 17/10/2018
FOTO. EFE/David Asta Alares

miércoles, 17 de octubre de 2018

Un pazo que é un océano

Cultura ▶ O Pazo da Cultura de Pontevedra amosou durante esta longa fin de semana a súa potencialidade para ser o centro da actividade cultural de Pontevedra e a súa contorna. O festival de músicas da lusofonía, Cantos na Maré, ou dúas exposicións que, dende a pintura e a fotografía, vencéllanse co mar, amosan a forza dun espazo singular

Cantos na Maré. Concerto de Cesária Évora Orchestra (J.L. Oubiña)

Os galegos somos anfibios. O mar e parte do que corre polo noso interior. O mar sírvemos para sentir e tamén para respirar. Non é raro que moitos artistas plantexen o seu traballo dende a sensibilidades de enfrontarse a ese espello de auga salgada no que reflectirse. Como tampouco é estraño que ese mesmo mar, ese Atlántico que se axita estes días de outono e temporais cos ventos que veñen da outra orela, sirva de metáfora coa que envolver o festival de música lusófona, Cantos na Maré.
Exposicións e concertos que fixeron do Pazo da Cultura un epicentro cultural de primeira orde en toda Galicia e que amosan a afouteza dese lugar cando enche todas as súas velas e fai da cultura un ronsel de emocións. Poucos espazos tan abondosos nas súas posibilidadades como o Pazo da Cultura de Pontevedra. O edificio do prestixioso Manuel de las Casas ofrece salas de exposicións, salas de concertos, de maior ou menor tamaño, e moitos ambientes máis para que sexa un compás da cultura, xa non só na capital da provincia, senón nas comarcas que nos rodean. É por iso que un nunca se cansa de pedir máis inversións en cultura, xa non só dende o público, senón que é unha mágoa que máis empresas privadas non se animen e se sumen á esponsorización da programación de todo o ano ou a eventos e actividades puntuais que ían a falar moi ben delas e da súa sensibilidade.
Non hai máis que lembrar o que pasou ao longo desta fin de semana prolongada coa coincidencia de dúas exposicións e unha edición renovada e ampliada de Cantos na Maré. Todo o espazo do Pazo da Cultura ofrecendo posibilidades artísticas, miradas cara a pintura de Antón Sobral e Carmen Hermo, e os oídos ben abertos ante toda esa música chegada dos países da lusofonía e da nosa propia terra.
Exposición 'Na beira do río. Diálogos na Pintura' (Rafa Fariña)
Unha maridaxe que sae do mar, coma do mar emerxe a arte de compromiso de Antón Sobral e Carmen Hermo, dúas achegas dende a pintura que nos convidan a percorrer un novo universo de pinceladas dende o acougo e a serenidade do primeiro, á mestura de linguaxes e formatos da segunda, nunha rifa coa propia pintura. Noutro dos espazos Alba Sotelo plantexa unha viaxe homérica, coa súa ‘Voltar a Ítaca’, unha escolma fotográfica que plantexa a defensa do mar e da pesca máis tradicional a través dos seus protagonistas. Heroes do cotiá que converten as súas mans en anzois.
Visitante ante unha fotografía de Alba Sotelo (J.L. Oubiña)
Pero esta fin de semana foi a dos sons, a das músicas que chegaron co ‘sotaque’ portugués, coa mestura de ritmos que nos obrigan a esquecer fronteiras nos mapas e a sentir as que se agochan no noso interior, ás que falan de linguas comúns e sensibilidades que, como as ondas do mar, móvense entre as músicas de diferentes territorios que teñen a obriga de seguir apostando por navegar xuntos, en océanos como os do Pazo da Cultura de Pontevedra.



Publicado no Diario de Pontevedra (15/10/2018)

jueves, 11 de octubre de 2018

Ley gallega

El director Dani de la Torre junto a varios de los actores en
el preestreno de 'La sombra de la ley' en Pontevedra (Rafa Fariña)

Desde hoy en los cines de toda España se podrá contemplar la nueva película de Dani de la Torre, ‘La sombra de la ley’. Un director al que tras su sorprendente ‘El desconocido’ (2015), se esperaba de manera impaciente por cómo iba a responder ante un nuevo reto, ante esa segunda película, siempre tan complicada tras un inicial éxito de esos que se definen como de crítica y público. Con aquella película comprobamos su capacidad para tensar al espectador, para rodar con un ritmo poco visto en el resto del cine español y con un gran trabajo de elementos que suman y mucho al resultado final de una película, como el guión, el montaje, el diseño de producción o los actores.
Con ‘La sombra de la ley’ Dani de la Torre vuelve a dejarnos con la boca abierta, tras poco más de dos horas de una película entretenidísima, en la que además de manejar de manera espléndida todos esos elementos se integran otros que potencian el relato y provocan el seguir ‘rumiando’ la película minutos después de haber salido de la sala de proyección.
En este caso fue el Teatro Principal de Pontevedra el que acogió el preestreno de la película, ciudad en la que se rodaron secuencias en localizaciones como el Instituto Valle-Inclán o el palacio de Montero Ríos en Lourizán; pero Dani de la Torre extiende la magia del cine por otros territorios como A Coruña, Lugo y su Monforte natal para concebir una Barcelona en la que nunca tanto maíz han visto junto, pero que te acabas creyendo. Espectaculares planos, escenas de acción trepidantes e interpretaciones fantásticas se van conjuntando al tiempo que asistimos a una historia centrada en una serie de acontecimientos que tienen lugar en Barcelona en 1921, dos años antes del golpe de estado de Primo de Rivera, y en plena efervescencia de movimientos anarquistas y de una incipiente lucha por los derechos de la mujer, donde lo que llamaríamos, con la perspectiva de hoy, las ‘cloacas del Estado’, provoca los inesperados giros en la película, tal y como sucede en la realidad, tantas veces teñidas de las miserias de los poderosos. Una temática valiente por lo que tiene de apostar, dentro de una película de acción y de gánsteres, por asuntos comprometidos, y que pueden ser de poco interés para un espectador que a priori busque una película más vinculada a la pura acción, pero que Dani de la Torre, con un hiladísimo guión de Patxi Amezcua, resuelve de manera muy acertada.
De nuevo, como ya sucediera con ‘El desconocido’, una productora gallega, la coruñesa Vaca Films, está detrás de la película y demuestra el enorme potencial de nuestro audiovisual para, desde los diversos segmentos que confluyen en una película, lograr un producto de calidad que nada tiene que envidiarle a una producción hollywoodiense, por aquello de medirnos a la cinematografía en la que se ha acuñado la narrativa y estética de este cine negro, bebiendo en los clásicos de los años treinta, pero también en obras de directores como Coppola, Arthur Penn, Sergio Leone o Brian de Palma, con los que se establecen maravillosos guiños visuales con películas icónicas del género.
Pero esta es también una película de actores, desde ese antihéroe que encarna Luis Tosar, hasta los policías que lo acompañan, extraordinario Ernesto Alterio, y, como no, todos esos actores gallegos que no dejan de asombrarnos, tal y como lo llevan haciendo en las últimas producciones que se han realizado a nivel nacional, tanto cinematográficas como televisivas, y que revelan ese talento más allá de nuestra geografía o de nuestro ámbito audiovisual.
En definitiva, ‘La sombra de la ley’ además de una magnífica película, es otro motivo de orgullo para Galicia, que sigue construyendo su destino a través de pasos tan firmes como los que está dando Dani de la Torre. Desde Monforte para el mundo.



Publicado en Diario de Pontevedra/El Progreso de Lugo 10/10/2018



miércoles, 10 de octubre de 2018

Outra lección

Rue Saint-Antoine nº 170
Memoria ▶ O cadro de Castelao ‘A derradeira lección do mestre’ protagonizou a semana en Galicia. A súa recepción en Compostela para participar nunha exposición na Cidade da Cultura e as máis que desafortunadas palabras do presidente da Xunta provocaron unha reacción xeral que podemos entender como unha nova lección de Castelao.

Unha das accións de protesta foi a recreación da lámina orixinal
de Castelao por Kiko da Silva no Museo de Pontevedra (Gonzalo García)

Poucas veces se viviu unha situación como a que tivo lugar ao longo desta semana en Galicia arredor dunha obra de arte. O asombroso discurso do presidente da Xunta, Alberto Núñez Feijóo, que el mesmo se adicou a esnaquizar 48 horas despois diante da familia Bóveda, minimizaba a contundencia do cadro que Castelao pintou no exilio arxentino en 1945. Para Castelao a arte converteuse nun medio de concienciación social e política a medida que foi pasando o tempo, e a súa condición de pintor dirixiuse dende as obrigas morais dos feitos históricos co rodearon cara un emprego do artístico para que Galicia mirase cara si mesma poñendo en cada obra unha carga de profundidade contra o atraso e as diferencias de clase na sociedade.
Ese devir da súa obra acada unha nova dimensión tras o levantamento militar e a Guerra Civil. Castelao realizará tres albumes para denunciar a represión que acontecía en Galicia. ‘Galicia Mártir’ e ‘Atila en Galiza’, foron editados en Valencia, o primeiro en 1937 polo Ministerio de Propaganda da República, mentres o segundo polo Comité Nacional da Confederación Nacional do Traballo. O terceiro, ‘Milicianos’, editouse en Nova York, un ano despois pola Fronte Popular Antifascistas Galego.
Estes tres traballos, absolutamente espléndidos dende o artístico, si que se poden calificar como o máis cercano ao que podería ser unha especie de Guernica galego, ao tratar, como no cadro de Picasso, da visualización da sin razón humana e que ademais mantén un fío directo cos gravados de Goya dos ‘Desastres da Guerra’, tanto na súa conformación plástica como na inclusión dunha mensaxe ao pé da imaxe. Castelao, polo tanto, dialoga de xeito directo con todos eles e fai da obra un altofalante dunha sociedade esnaquizada nos seus valores.
Selo da República Española
coa 'Derradeira lección do mestre'
Unha das láminas daquel primeiro álbum é ‘A derradeira lección do mestre’. Unha representación que foi moi especial para Castelao xa que nela aparece o seu mestre, de quen tanto aprendeu, o seu irmán, tal e como se recolle na correspondencia entre eles, Alexandro Bóveda. É certo que non aparece en ningún texto esa adscripción do personaxe, pero moitas veces queremos desviar a vista ante o que está diante de nós. Non hai máis que mirar o propio cadro, fixarse na cara dese home que ven de ser asasinado para que non haxa dúbida algunha. Esas entradas no cabelo, ou ese guecho de pelo no centro, son identificativos do personaxe e así grandes caricaturistas como Manuel Torres non precisaban de máis para reflectir a Alexandro Bóveda. Esta lámina era tan especial para Castelao que foi unha das tres que elexiu para converterse nun selo da República en 1939, precisamente o de máis valor, 90 céntimos. E o que se converteu no gran lenzo de 200x132 centímetros que Castelao pintou en Bos Aires coa mirada posta en Galicia e no martirio do seu irmán.
Caricatura de Bóveda realizada
polo pintor Manuel Torres
A última lección de quen fora o mestre de tantos galeguistas que puxeron a súa terra por riba deles mesmos. Pois resulta que non foi a última, o destino, e a forza da arte como aglutinador de sentimentos, quixo que aínda quedase outra lección por dar, á que asistimos estes días nos que un discurso completamente afastado do relato do cadro e da súa orixe fixo que gran parte desa terra que se regou co sangue do mestre levantase a voz para berrar e para lembrar que aquela lección aínda non se esqueceu, e que aínda ten moito que ensinar.

Publicado no Diario de Pontevedra 8/10/2018

miércoles, 3 de octubre de 2018

El grito de Valverde

Alejandro Valverde, feliz, en el pódium del Mundial (C. Bruna)

Es el maillot arco iris uno de los grandes iconos visuales del deporte, como lo son la chaqueta verde del Masters de Augusta de golf, el anillo de campeón de la NBA o el maillot amarillo del Tour de Francia, en el propio ciclismo. Enfundarse esa prenda y portarla durante un año es uno de los grandes reconocimientos del mundo del deporte. El pasado domingo Alejandro Valverde ciñó su enjuto cuerpo a esa túnica sagrada del ciclismo y comprendió porque se había hecho ciclista y porque llevaba tantos años persiguiendo ese galardón. Tantos que, hasta su definitiva consecución, había logrado hasta seis medallas en esa misma carrera, dos de plata y cuatro de bronce, ¡una barbaridad! Pero faltaba el título supremo, la medalla y el maillot.
Junto a los 258,5 kilómetros y 6 horas y 46 minutos sobre la bicicleta y 38 años a sus espaldas, son miles y miles de horas de entrenamientos, caídas y fracturas, tristezas y alegrías que se condensaron nada más superar la línea de meta en uno de los gritos más hermosos que el deporte nos ha proporcionado nunca.
Valverde gritaba abrazado a su masajista, la persona que recupera diariamente las destrozadas piernas de cualquier ciclista tras una jornada extenuante, como todas las de estos deportistas inmensos que optan por esta especialidad deportiva tan dura. Un abrazo que ninguno de los dos olvidará porque refleja mucho más que el abrazo de dos profesionales. Ese abrazo, coronado por ese grito estremecedor, es la demostración de quien ama a este deporte, de quien da por bueno ese sacrificio permanente por lograr la gloria que te adentra en el olimpo de los más grandes especialistas de un deporte en el que la leyenda pesa tanto que quien la alcanza se convierte en eterno.
Alejandro Valverde, insisto, con sus 38 años, ha vivido mucho sobre la bicicleta, corredor de esos que se definen por sus características como 'clasicómano', especialista en las largas carreras de un día con duros y cortos repechos que salpican el norte de Europa en la primavera. En el sur, en su casa, nunca ha sido del todo alabado por un público acostumbrado a exaltar a nuestros ciclistas por los éxitos en las grandes vueltas por etapas, la figura de Alejandro Valverde siempre se ha instalado en un injusto escalón inferior al de otros corredores. Sus pódiums en Tour, Giro y Vuelta, carrera que logró ganar, parece que nunca fueron suficiente para lograr el reconocimiento unánime que solía llegar, como en aquellas carreras en las que demostraba realmente su potencial (como en la Flecha Valona, que ganó en cinco ocasiones) es decir, con la caducidad de un día. Ahora el aplauso se prolongará durante todo un año, ese arco iris en el pecho lo designa visualmente como un campeón en toda regla y pone el broche de oro, aunque el ciclista ha manifestado su intención de llegar a los Juegos Olímpicos de Tokyo, a su espectacular y envidiable currículum.
Ese grito seguirá retumbando durante muchos años y debería sonrojar a otros que hacen de ese recurso una especie de exaltación de sus virtudes y que se quedan en un infantil gesto frente a hazañas como las que genera el mundo del ciclismo. Cada vez que veo a Cristiano Ronaldo irse a un córner a gritar y a posar ante una cámara se evidencia lo que es verdad de lo que es puro artificio y cómo el ciclismo sigue manteniendo un sentimiento de orgullo y esfuerzo que emociona frente al fútbol cada vez más mercantilizado desde los ademanes de diseño.



Publicado en Diario de Pontevedra/El Progreso de Lugo 3/10/2018