50 años del Ateneo de Pontevedra

Rue Saint-Antoine nº 170

Pensamiento. El 18 de noviembre de 1965 el Ateneo de Pontevedra celebraba su sesión inaugural con la presencia del escritor rumano Vintila Horia. Nacía así el primer Ateneo de Galicia con la vocación de fomentar diferentes actividades culturales. Cincuenta años después el Ateneo resiste en una sociedad muy diferente de aquella.

 

Conferencia de Vintila Horia en la sesión inaugural del Ateneo de Pontevedra (18-11-1965). Camilo Gómez

Los años sesenta en Pontevedra no fueron unos años cualquiera. La ciudad recuperaba el aliento tras las duras décadas posteriores a la Guerra Civil. Parecía querer así recuperar el tiempo perdido a toda velocidad, enganchada a las piernas hercúleas de los jugadores del Pontevedra c.f. pertenecientes a aquel Hai que roelo cuyo espíritu inundó la ciudad, y no fueron pocos los cambios que se vivieron, tanto a nivel físico, con nuevas arquitecturas o nuevas zonas de expansión urbanística, como a nivel social o cultural. Pontevedra recuperaba a su periódico, Diario de Pontevedra, en 1963 y nacían diferentes entidades culturales para dar respuesta a un ser humano que había superado unos años siniestros y veía como poco a poco la situación se iba relajando en pos del final definitivo del franquismo.

Ese ambiente y una serie de personalidades fascinantes, con numerosos y diversos intereses culturales, fueron los que propiciaron que se gestase el Ateneo de Pontevedra, puesto en marcha por una Comisión Gestora. En palabras del propio Diario de Pontevedra «diecisiete prestigiosas figuras de las artes, las ciencias y las letras, radicadas en nuestra ciudad», fueron las que, tras constituirse en Comisión Gestora, decidieron impulsar esta plataforma de pensamiento y difusión cultural. Reunidos en los locales que se habían inaugurado recientemente por Pío Cabanillas en las dependencias del Ministerio de Información y Turismo sus nombres eran, Gonzalo Adrio Barreiro (abogado); Alfonso Buján (arquitecto), Federico Cifuentes (Inspector de Enseñanza), Manuel Cuña Novás (poeta y escritor), Luciano del Río (escritor), José Filgueira Valverde (alcalde y director del Instituto Masculino), Marcelino Jiménez (director del Instituto Femenino), Juan Manuel Lazcano (presidente del Cine Club), Eduardo López (Delegado Provincial de Información y Turismo), Isidoro Millán (catedrático de Instituto), Antonio Odriozola (Bibliotecario de la Misión Biológica), Manuel Suárez (Abogado y concejal), Manuel Sánchez (catedrático de Instituto), Gonzalo Torrente Ballester (escritor, periodista y catedrático del Instituto Femenino), Manuel Torres (pintor y presidente de la Asociación de Cultura y Arte Santa Cecilia de Marín y Alfonso Zulueta (notario).

La noticia no pudo caer mejor en las activas inquietudes culturales de muchos pontevedreses y la prensa acogía con enorme satisfacción esta iniciativa que venía a reverdecer los viejos laureles de una Pontevedra hegemónica en el ámbito de la cultura en Galicia, con sus tertulias de afamados escritores, sus entidades sociales o unos personajes convertidos en mitos. 

Tras la puesta en marcha de esa Comisión Gestora buscó darse a conocer y antes de sus primeras actividades publicó en prensa cuales eran sus intenciones y propósitos: «El Ateneo quiere ser de todos y para todos. No discrimina; antes bien aspira a reunir a la mayor cantidad posible de contradictores. Quien dice Ateneo dice libertad de discusión e independencia de criterio. Que nadie se sienta coartado por la singularidad o la disconformidad de su propio pensamiento. El Ateneo no es un redil, sino la casa de los hombres libres». Doce días después tenía lugar la sesión inaugural que consistió en una conferencia a cargo del prestigioso escritor rumano Vintila Horia acerca del tema ‘Lo sagrado y lo profano en la novela contemporánea». La presentación corrió a cargo de Gonzalo Torrente Ballester quien hizo alusión a la polémica creada por la retirada del premio Goncourt tras unas declaraciones del escritor. El autor ferrolano, desempeñó un papel protagonista en el Ateneo, ya no solo como integrante de esa comisión gestora sino como catalizador de muchas de sus iniciativas y habitual conferenciante, incluso tras su marcha de la ciudad a Estados Unidos. Así nos encontramos a Gonzalo Torrente Ballester en 1968 impartiendo una conferencia en los locales del Ateneo contando su experiencia norteamericana en una charla titulada ‘América vista por otro europeo’.

Un año después esa Comisión Gestora aprueba los estatutos y elige a su Junta Directiva, en la que sale elegido como presidente Alfonso Zulueta de Haz y a partir de ahí cincuenta años de historia, de alentar encuentros culturales del más diverso cariz y sobre todo apostando por la diversidad de pensamiento. La cultura, esa planta siempre tan hermosa, pero tan endeble para los que la cuidan siempre faltos de apoyo, se ha mantenido con mayor o menor verdor hasta hoy. Todo un milagro que coloca en un pedestal a todos los que han intervenido como jardineros en su cuidado siempre desinteresado, siempre sin mayor afán que el de intentar que esta sociedad nuestra sea los más respirable posible. Presidentes como Antonio Alonso, Juan Vidal Fraga, Jesús Díaz Bustelo, Carlos Osorio, Antón Louro, Carlota Román o el actual, Xaime Toxo, junto con quienes les apoyaron, son parte de esta historia que ha sorteado infinidad de problemas y tiempos complicados para instalarse en un día, el de hoy, lleno de dudas y preguntas por responder. Seguro que muchas son parecidas a las que esos hombres de hace ya 50 años se plantearon para crear el Ateneo de Pontevedra.

Publicado en Diario de Pontevedra 16/11/2015

"O CGAC ten que recuperar o seu foco"

Tras cinco meses no cargo, Santiago Olmo xa pensa no traballo dos próximos meses. Luis González Palma, Eva Lootz, unha revisión sobre o postatlantismo ou a obra de Berta Cáccamo serán os primeiros fíos dos que tirar.

TARDE DE luns no CGAC. Tarde co Museo pechado ao público, pero a vida dentro do Centro Galego de Arte Contemporánea, aínda que máis despacio, segue fluíndo. Nos almacéns uns operarios recolocan diferentes pezas e no seu despacho, Santiago Olmo (Madrid, 1958) move diferentes papeis cos deseños das salas ante futuras exposicións para librar unha mesa e facer un sitio no que desenvolver esta entrevista na que valorar, uns poucos meses despois de chegar ao cargo de director, e xa sobre o terreo, a nova etapa que agora comeza.

Unha etapa na que artellar unha programación case sobre a marcha e na que arrincar a amosar algunhas das liñas de actuación que este home, comisario e crítico independente, pretende seguir nun contexto, o galego, ao que se sinte moi afín dende a coordinación da derradeira Bienal de Arte de Pontevedra (2010), e no que se encontra moi cómodo, tamén co uso do galego, algo que se criticou xunto cos seus méritos para o posto no proceso de selección.

Como xorde a opción de presentarse ao posto de director do CGAC?

Pois foi unha cuestión moi casual. O pasado ano nunha viaxe a Galicia para participar nunha charla uns amigos comentáronme que saíra a praza, e pensei porque non? Gústame Galicia, xa traballei aquí e o CGAC é un centro moi interesante. Presenteime pero sen ser un obxectivo moi claro. Despois o proceso foi tan longo que xa me esquecera del, grazas que me chamou un amigo para facer a primeira entrevista.

Ese proceso de selección tamén foi un tanto turbulento, con acusacións sobre a falta de experiencia neste tipo de cargos, con dúbidas sobre os seus méritos ou o seu coñecemento do galego. Como afrontou todo iso?

Pois vivino dunha maneira moi deportiva. Tampouco fixen ningunha manifestación, só algún comentario cos meus amigos. E a miña sensación era que a xente que opinaba naquel momento non tiña moita información. Eu teño unha dimensión moi práctica ou pragmática de España, coñezo ben moitos lugares, teño unha afinidade coas linguas, falo catalán, portugués, e co galego, dende a organización da Bienal de Arte de Pontevedra xa tiña unha familiaridade, un gusto e un pracer pola lingua. Eu o vivín ben, sen unha sensación de dureza. Estou seguro das cousas que podo facer ben e sei das miñas limitacións. Agora teño que demostrar todo iso.

Tras un contexto de crise como atopou o CGAC?

Atopeime cun centro con moitas posibilidades pero co motor no punto máis baixo. A maquinaria é moi boa, pero ese procedemento tan longo (sete meses sen dirección) levou a atrasos nas decisións, como poñer en marcha certas publicacións de exposicións que xa se fixeron. Tamén me atopei coa necesidade de estimular ao personal con novos proxectos, en definitiva, de engrasar a maquinaria, e cun museo sen programación. Tiven que improvisar no verán unha programación co que houbo que pensar qué exposicións poderían ter un sentido no CGAC propiciando sobre todo pensamento, que non foran soamente unhas exposicións que cumplan a función de recheo. Se non que permitan abrir camiños de traballo ou de investigación.

En qué lle gustaría que se convertira o CGAC?

O CGAC ten que converterse no que sempre foi, un museo de referencia. Dalgunha maneira é o museo nacional de Galicia de arte contemporánea e, ao mesmo tempo, desenvolve unha función multidisciplinar a partir da realidade da creación contemporánea. Polo tanto, ten que ser un centro moi aberto ás realidades culturais, as situacións do contexto, do contexto internacional, pero tamén un espazo de equilibro entre ese contexto e o contexto galego. Ese é un equilibrio importante, o CGAC foi un centro de referencia en España nos primeiros anos, esa capacidade de creación, de produción, de ser un foco, ten que recuperarse polo museo. A actividade non é soamente cara Galicia ou como receptor de exposicións, senón dende un diálogo coas outras realidades ibéricas, e non debemos esquecer tampouco a Portugal.

Cales son as liñas de traballo a desenvolver?

Unha das miñas preocupacións é que a metodoloxía da investigación sexa fundamental. Hoxe os museos teñen a responsabilidade de complementar un ámbito da investigación da universidade e da educación xeral que está nunha situación moi precaria. Ao mesmo tempo ten que ser un espazo crítico, social, como unha maquinaria de activación e recepción de situacións complexas e tratalas dende o punto de vista do difícil. O museo non pode ser como un xornal na procura do titular, a nosa perspectiva ten que ser máis complexa.

Como afronta ese equilibrio entre o contexto galego e a escena nacional ou internacional?

É algo moi dificil, pero creo que esa dinámica máis internacional do museo nos seus primeiros tempos foi mudando. Se vemos as publicacións e os catálogos atopamos moitos nomes da plástica internacional, pero tamén hai moitos galegos. Si atopo un déficit de nomes galegos é na colección. Unha eiva de estrutura que non tivo atención cara o contexto galego e que agora é difícil de tapar, pero temos a obriga de desenvolver proxectos de investigación sobre artistas galegos, e tamén de facer unha colección co noso, e aí os orzamentos son moi necesarios.

Non cre necesario traballar en común con institucións asentadas no que podería ser un corredor Atlántico da arte?

Estou dacordo, atopeime cando estiven na Bienal de Pontevedra que o contexto tiña que ser a contorna. Cando Santiago está entre Ferrol e Vigo a realidade ten que ser máis dinámica, estamos establecendo liñas de colaboración co MARCO e coa Fundación Seoane, institucións públicas que traballan nun ámbito máis cercano ao noso. Pero creo que temos que ter máis fluidez nas comunicacións, nas coordinacións, e o mesmo na propia Compostela, coa Casa da Parra, o Concello ou a Cidade da Cultura.

Cómo analiza a situación artística en Galicia nestes momentos?

Non é moi diferente á doutros lugares de España, pero si que temos unhas estruturas pouco proclives á intercomunicación, e atopo unha certa situación de invisibilidade cara ao exterior. Aínda que hai nomes de artistas e cineastas novos con proxección, un dos nosos retos, en conxunto coas outras institucións, é tamén o de ser quen de facelos visibles noutros espazos, noutros centros e noutros contextos.

Publicado no suplemento cultural Táboa Redonda. El Progreso de Lugo e Diario de Pontevedra

Fotografía: Javier Cervera-Mercadillo

Nos están matando

«A los frutos de aquel árbol vedado,/cuyo sabor letal trajo a este mundo/la muerte junto a todos nuestros males,/por perder el Edén el primer hombre (...)»

‘El paraíso perdido’. John Milton

Se activa mi radiodespertador y de él las primeras palabras que salen son para dar cuenta de la muerte de otra mujer. Continúa la pesadilla, el goteo de víctimas a cualquier hora, día tras día, en una tragedia que cada jornada pone más a este país contra las cuerdas, y les aseguro que en mayor manera de lo que lo hacen quienes se empeñan en dibujar fronteras, que al fin y al cabo no deja de ser un vanidoso y pasajero ejercicio de suficiencia. Aquí y en cualquier lado la frontera es la vida, el bien último que debemos preservar como sociedad, y mientras tanto, se suceden los minutos de silencio, artículos como éste y declaraciones que se diluyen en cuanto un hombre vuelve a golpear a una mujer, a clavarle un cuchillo, a pegarle un tiro, a arrojarla por un balcón o a acabar con la vida de sus hijos.

Llevo retrasando este artículo desde el verano. Desde aquel miserable día en que un malnacido acabó con sus dos hijas en Moraña para vengarse de su exmujer, se dijo, para vengarse de su propia bajeza y miseria como presunto ser humano digo yo. Desde aquel día, sábado tras sábado, buscaba alguna excusa para no escribir de lo que está sucediendo y me iba repitiendo frases como éstas: «Espera a ver si esto termina», «Espera a ver si hay algún cambio en las actitudes de quienes deben tomar cartas en el asunto», pero una semana tras otra las víctimas se siguen sucediendo en una hilera fúnebre de desesperación e impotencia que impide que estas palabras, seguro que también inútiles, vuelvan a quedarse en el tintero.

El pasado sábado Madrid se llenó de pancartas y gritos contra la violencia. Víctimas, mujeres, hombres y políticos fueron un clamor contra la violencia de género, contra la violencia sin más. Una jornada reivindicativa, hermosas fotos en los periódicos y apenas 24 horas después dos nuevas víctimas. Cinco hasta hoy. Mientras escribo, la radio vuelve al cadalso, dando la noticia de una mujer tiroteada en Sevilla por su marido en presencia de su hijo de quince años. La náusea. De nuevo volveremos a las concentraciones silenciosas, a las declaraciones de pesar y a los artículos como éste. Otra vez mi radiodespertador volverá a activarse a las 7.30 horas y no lo hará para darme los buenos días, sino para recordarme que en este país los hombres siguen matando a las mujeres.

49 mujeres y ocho menores es el escalofriante contador en lo que llevamos de año de este Día de la Marmota criminal ante el que cada día me pregunto cuándo esto se va a tomar realmente en serio. Cuándo el presidente del Gobierno va a llamar a los representantes de las otras fuerzas políticas, ahora que ya sabe cómo se hace, para sentarse a discutir y tomar medidas conjuntas contra este angustioso ambiente que se ha generado. Un frente común contra el crimen que sirva para desarrollar medidas eficaces. Desde el mundo judicial, con el mayor endurecimiento posible de las penas y su equiparación con delitos como lo puedan ser los relacionados con el terrorismo (el 86% de los condenados por estos delitos no ingresan en prisión); y desde el ámbito educativo, con la necesidad de educar en valores, en concienciar a los más jóvenes (entre los que se detectan de manera preocupante muchas de estas actitudes perniciosas), algo para lo que hacen falta unos recursos cada vez más esquilmados en la educación pública.

Una a una estas lágrimas negras se convierten en el rosario del dolor de un país incapaz de hacer frente a esta tara como sociedad, que nos afecta muy por encima de lo que ocurre en otros países. Cuando hace un par de meses la plaza de la Peregrina acogió una performance dentro del proyecto Women in black, que se ha ido representando en diferentes ciudades de España, ante el desdén o la incrédula mirada de los paseantes, se recreaba no solo la muerte, sino la indolencia de una sociedad cercana a estos hechos cuando nos sacuden en nuestro entorno más inmediato. Cambiar esa dinámica con medidas realmente efectivas es lo que debería conformar una respuesta que vaya más allá de los silencios a las puertas de las instituciones, de las caras largas o de artículos como éste que, al final, como aquellas letras escritas con tiza sobre el enlosado de la Peregrina, acabarán borrándose bajo el sinsentido de esta sociedad.

Publicado en Diario de Pontevedra 14/11/2015

Fotografía. Tania Moreira

Compartir una pasión

Mucha gente piensa que las óperas son pesadas y aburridas. Para Ramón Gener también lo fueron, pero ahora son el leitmotiv de su vida, y no solo una fuente de trabajo, sino también una inspiración de la que nos ha hecho cómplices a muchos.

LA VIDA, tal y como debería entenderse, es un conjunto de pasiones. Pasiones amorosas, pasiones laborales, pasiones por una u otra afición... en definitiva, pasión por la vida. Quizás la mejor manera de saborear esta travesía que al ser humano nos toca realizar por este mundo y que tantas veces está plagada de momentos amargos.

Desde hace unos meses hemos descubierto a alguien que hace de una pasión una bandera que ondear permanentemente, de tal manera que a los que se asoman a ella, quedan ya irremediablemente pegados a una manera de comunicar que ha puesto patas arriba la divulgación cultural. Les hablo de Ramón Gener, el conocido presentador de un programa de ópera en Televisión Española, ‘This is opera’. Ya solo situar un programa dedicado a la ópera en una franja horaria en la que el ser humano todavía es persona, con buenas audiencias, consiguiendo realizar una segunda temporada y que merezca la atención y el comentario en diferentes medios, como lo puede ser éste, ya deja patente el milagro que ha supuesto la actividad de Ramón Gener.

Una labor que ha derivado en diferentes direcciones, ya que su propia labor como barítono se ha visto compatibilizada con numerosas conferencias que le han ido permitiendo rodar una manera de llegar al público que estalla, como en una gran aria, en su programa de televisión. Pero todo, todo, tiene una razón, un porqué y un origen, y ese porqué y su explicación es el que ha motivado la publicación de un libro en el que Ramón Gener, evidencia no solo su pasión por la música, por toda ella, sino también la necesidad de compartirla, de poder acercársela al resto de personas, porque «una pasión compartida siempre es mucho mejor» .

‘Si Beethoven pudiera escucharme’ es el libro publicado por Now Books y en el que bajo ese descriptivo y sonoro título se esconde la explicación de cómo la música ha ido formando siempre parte de una vida, con momentos de aproximación, pero también de lejanía, hasta que tras dar con la persona correcta, ni más ni menos que María Victoria de los Ángeles, quien tras escucharle cantar entendió que allí había una voz de ópera, todo cambió. Ese contacto supuso el regreso a una música de la que de joven se sintió muy distante, pero a la que poco a poco regresó para convertirse en pasión. A lo largo de las páginas de este libro, tan ameno en su lectura como excitante, nos convoca con recuerdos personales, anécdotas, citas musicales y otras manifestaciones artísticas que finalmente provocan ese estado de agitación que también queda tras presenciar cualquiera de sus programas. En ellos se revela a un comunicador diferente, capaz, desde los atractivos planteamientos de cada uno de los programas dedicados a una ópera determinada, de enseñar lo que se esconde en su interior, en ese universo artístico muchas veces tan complejo para un espectador que suele darle la espalda frente a otras opciones musicales. Su tono de voz, su gestualidad, su forma de implicar a las personas, el relacionar la ópera con el mundo del día a día en el que nos movemos y la minuciosa explicación de las notas o fragmentos musicales que las integran, son la brújula perfecta para entender lo que supone esa pasión, al mismo tiempo que sirve para reivindicar porque la Televisión Pública es tan necesaria desde su correcto uso.

Y es que todo, quizás, se resuma en las cuatro primeras notas de la Quinta Sinfonía de Beethoven. En unas notas que van más allá de una composición o de toda una carrera y que explican el poder cautivador de la música. Un compositor sordo que hizo la música más maravillosa de la historia, una música convertida en pasión por Ramón Gener, y ahora, compartida por todos nosotros.

Publicado en el suplemento cultural 'Táboa Redonda'. Diario de Pontevedra y El Progreso de Lugo 8/11/2015

Postales de Madrid

Instalación de Stephen Dean en la  muestra de la Fundación RAC en  Madrid

Está Madrid en efervescencia en este preámbulo de una Navidad cada vez más estirada por el atroz consumismo. Es el pesebre al que no renunciamos para evidenciar no sé muy bien el qué, si la recuperación de nuestra capacidad económica o la irrefrenable regresión como especie.

Madrid, por el puente de Difuntos, es un delirio de personas que se arremolinan en el entorno de la Puerta del Sol, Preciados o Callao, para no dejar una sola baldosa por la que pasar. Las colas en Doña Manolita encienden este tiempo de ilusiones disfrazadas de egoísmos, al tiempo que el recién abierto Primark vomita semáforo tras semáforo a cientos de personas que suministran billeteras calientes a todo lo que se cuece en el universo Gran Vía. 

Madrid, con el otoño Velázquez sabiniano dibujado en su techo, en el suelo no es ese escenario postnuclear que oímos desde la lejanía tras la llegada a la alcaldía de Manuela Carmena. Ni más tráfico, ni más sucia, ni más infierno que cielo. Madrid sobrevive a sí misma y a sus políticos, sean del pelaje que sea, eso sí, hay noticias que deberían sonrojar a quienes durante tanto tiempo perdonaron el cobro del IBI al completo a los grandes mercaderes que, por ocupar edificios históricos, solo pagaban un 20% de dicho impuesto mientras sus cajas rebosan jornada tras jornada. La nueva alcaldesa incrementa así el peaje a los más ricos, posibilitando el aumento de partidas sociales, que eso sí es limpiar Madrid de tantas miserias y abusos como se estaban produciendo en ese baile de máscaras que da más miedo que el sinfín de personas disfrazadas de Halloween con el que uno se cruza durante la estancia madrileña.

Y hablando de la alcaldesa, la delegación Rozas Osorio decide visitar su casa, el monumental edificio que el gallego Antonio Palacios se inventó ante la Cibeles, un enorme complejo que la anterior alcaldesa ocupó para mayor gloria de su figura, ya que para esos fines sobraba parqué por todas las esquinas, tanto que ahora se ha ido ocupando con diferentes espacios: cafetería, sala de lectura y descanso y varias zonas de exposiciones. Y es que Madrid en otoño es un enorme museo, un atractivo más para seguir sumando turistas y divisas, ya que si algo tienen claro las industrias culturales madrileñas y sus gestores es que las programaciones culturales interesantes son capaces de generar riqueza, algo que a muchos parece no importarle, desestimando ese potencial y dedicándose a llenar museos o centros culturales con exposiciones intrascendentes.

Ante ese edificio consistorial las colas señalaban la entrada a una de las grandes muestras del otoño, la dedicada a Kandinsky y de la que uno se esperaba bastante más, pero al salir de ella nos topamos con una agradable sorpresa, como es encontrarse con una exposición con sello pontevedrés, ya que en una de las plantas superiores la Fundación RAC, con sede en la calle Sarmiento, expone parte de sus fondos. Todo un orgullo para esta ciudad que durante varios meses ha hecho de Madrid un territorio para el arte generado desde ella y lo hace con una exposición realmente fantástica, tanto por la calidad de las obras, como por la disposición de las mismas en un espacio muy complejo.

Huellas pontevedresas que renuevan una larga tradición de contactos entre la capital y nuestra tierra, con nombres como los de Valle-Inclán, Julio Camba, Sabino Torres, Arturo Ruibal, Ángel Peláez, los hermanos Lorenzo o Xabier Fortes... y los que se me quedan en el tintero, mis disculpas. Abrimos El País del sábado y las primeras palabras del periódico las escribe Manuel Jabois, el domingo nos tomamos una cerveza, por supuesto Estrella de Galicia, en una franquicia en plena Gran Vía, y en el suplemento Papel de El Mundo, nos encontramos a Rodrigo Cota cuadrando el círculo de Mariano Rajoy. Con el corazón que ya no nos cabe en el pecho y con un agujerito en el estómago, en el espectacular y animoso Platea, damos con el rastro de Pepe Solla quien, a pocos metros de allí, convierte ese rastro en espumosa estela sobre el océano con su nuevo restaurante Atlántico.

Con Madrid teñido de aires del Lérez seguimos viendo exposiciones, Bonnard en la Fundación Mapfre y Munch en el Museo Thyssen, completada ésta desde esos mismos días con una delicia en forma de exposición sobre el Lejano Oeste. Por supuesto que hay que hacer cola en ellas, personas esperando para participar de la cultura, eso que tantas veces se desprecia cuando se presenta de manera seductora es todo un reclamo para la gente. Cautivador Bonnard con unos colores y una manera de encuadrar la realidad que te hace redescubrir a un pintor orillado por sus compañeros de generación y por unos manuales que no le hacen justicia. Pero si hablamos de descubrir el gran hallazgo es un Munch que va más allá de su famoso grito, tan ruidoso que ha silenciado a un pintor deslumbrante y planteado aquí de una manera fascinante.

Postales de Madrid. Cristales de colores como los de la prodigiosa pieza que Stephen Dean aporta a la exposición de la Fundación RAC. Diferentes realidades que se agolpan en una ciudad inabarcable y repleta de posibilidades para el visitante, pero en la que la morriña de los 610 kilómetros de distancia se diluye con presencias que nos hacen sentir como en casa, como en un banco de A Ferraría.

Publicado en Diario de Pontevedra 7/11/2015
Imagen : Irene Rozas

CGAC. De Arissa a Vallhonrat

A Recuperación de Arissa

A Fundación Telefónica desenvolve nos últimos tempos unha plausíbel tarefa de recuperación da obra de grandes fotógrafos que recollen parte da nosa memoria. Un deles, o catalán Antoni Arissa, chega ao CGAC como evidencia do que supón ese esquecemento

'En la feria' (1930). Colección Fundación Telefónica

O SEU nome é Antoni Arissa. Abofé que un descoñecido da fotografía, sobre todo para o público en xeral, e ao que agora o Centro Galego de Arte Contemporánea en Compostela recupera grazas ao labor feito pola Fundación Telefónica. Un labor de posta en valor, de resurrección dunha obra esquecida e ata abandoada. De feito gran parte destes materiais atopáronse de xeito casual nun mercado, e a fortuna, e o bo ollo dun comprador rescatounos do esquecemento. A Fundación Teléfonica leva moitos anos traballando na recuperación de fotógrafos cuxa obra quedou esquecida e maltratada polo tempo, a falla de sensibilidade e a ignorancia, todas elas a partes iguais, sepultaron a moitos nomes que desenvolveron unha máis que meritoria tarefa. A destrucción de arquivos ao longo da Guerra Civil e o perecedero dos materiais precisos para a fotografía acabaron de compoñer esa faciana de perda e esquecemento.

Con Antoni Arissa o CGAC arrinca a nova etapa baixo a dirección de Santiago Olmo, obrigado a compoñer unha axenda que comece a poñer en marcha a maquinaria que precisa un centro destas condicións. Facelo cunha exposición destas características, ademais do propio valor formal e artístico da mostra, que é indubidábel, permite poñer en pé unha das liñas de actuación que levará a cabo o museo como é o de traballar dende a memoria como un xeito de coñecemento do pasado, e a súa precisa revisión dende a actualidade. Unha memoria que repousa nas imaxes de Antoni Arissa como a radiografía dun tempo e de diferentes xeitos de entendela fotografía. A mostra artéllase en tres estacións, en tres momentos vitais e temporais que se explican dende diferentes miradas dende a tradición da fotografía. Un primeiro momento, entre 1922 e 1928, no que o pictorialismo define a imaxe dende a mirada á paisaxe e o encadre da realidade como unha pintura. A luz, a natureza, o mundo rural, as figuras na paisaxe protagonizan ese momento que co paso dos anos iríase acomodando nunha maior modernidade provocada pola vida urbana, a literatura, o pensamento... Neste segundo momento o fotógrafo achégase aos ismos da arte da época e a súa mirada enriquécese con puntos de vista novos e arriscados, lecturas da realidade cotiá, imaxes nas que reflicte a vida dun tempo novo. Son os primeiros anos trinta e a figura acada unha maior consideración. É a vida da cidade, das rúas, dos comercios. Tamén dos traballos no porto e dos interiores das vivendas. Fragmentos dunha vida cotiá revestida dese realismo social que caracterizou aquel intre.

'Conversación' (1923-1929). Colecc. Teléfonica

Nun terceiro momento o fotógrafo amosa unha forte madurez, un discurso artístico pleno, que fala de xeito directo coas vangardas artísticas. A nova obxectividade, os achádegos da Bauhaus, o mundo do deseño... impresións que Antoni Arissa coñecía de primeira man xa que traballaba na imprenta familiar na barcelonesa rúa Caspe dende a que estaba perfectamente informado do que acontecía na Europa do momento a través de diferentes publicacións. As fotografías desta derradeira etapa son impactantes pola contundencia acadada do que pode semellar anecdótico. Obxectos, elementos publicitarios, lámpadas, tipografías... enchen as súas fotografías dunha mirada chea de afouteza e afastada de complexos. Artéllanse así pequenos escenarios case teatrais nos que as luces participan desa exaltación do cotiá e do anonimato.

‘Arissa. La sombra y el fotógrafo’, é todo un descubrimento. Unha achega a un nome esquecido e agora actualizado que ademais exhíbese dun xeito moi atractivo, en boa medida pola calidade das imaxes e da súa reproducción, algo que non ven máis que a incidir nas bondades como fotógrafo dalguén do que ata hai ben pouco descoñeciamos a súa existencia.

Desafíos na montaña con Javier Vallhonrat

INTERACCIÓNS é a mostra que dende o pasado xoves pódese ver no CGAC ata o 31 de decembro. Unha exposición comisariada polo propio director do centro, Santiago Olmo e que chega a Compostela tras amosarse no Museo da Universidade de Navarra.

52 fotografías, 7 vídeos e unha vídeoinstalación cos que o seu creador, Javier Vallhonrat, desenvolve un proxecto artístico mergullado na natureza e o seu achegamento a unha montaña como gran totem da experiencia co medio.

Esa experiencia reflictirase dende cinco bloques temáticos que expoñen nocións coma as do itinerario, a desorientación, as catástrofes, o refuxio e a metereoloxía. Cinco puntos de paso que miden a relación, dende a fascinación á incerteza, que plantexa o achegarse a un medio natural agreste.

Esta experiencia xorde a raíz dun proxecto anterior no que Javier Vallhonrat participou, ‘Tender pontes’, no que lle chamaron a atención dúas fotografías realizadas en 1853 por Joseph Vigier do macizo da Maladeta, no Pirineo oscense. Ese é o punto de partida para, dende unha imaxe primixenia, e case inaugural do xénero documental e da propia fotografía, estruturar unha aposta artística que vencella ao home coa contorna natural. Un desafío permanente dende o que o artista reflexiona sobre esa tensión entre a inmensidade, o inabarcable, e a necesidade de control do medio polo ser humano, aínda que todo o que acontece sirva para definir outra variable como é a nosa vulnerabilidade. Algo que se podería extrapolar a circunstancias da vida lonxe da natureza ou en estados de acoso como os que nos plantexou e plantexa aínda a nosa sociedade. 

Soedade, silencio, frío... toda unha poética capaz de xenerar numerosas lecturas no espectador, nese camiñante na natureza.

Publicado no suplemento 'Táboa Redonda'. Diario de Pontevedra y El Progreso. 1/11/2015

Santos

Entre las muchas y variadas manías que uno ha ido desarrollando a lo largo de los años como impenitente lector de prensa, eligiendo primero una u otra cabecera, decidiendo si comenzar por la portada o la contraportada, manejando los ritmos de lectura, ordenando la secuencia de las páginas, los columnistas que leer y los que maldecir... figura la de arrancar ciertas páginas que serán indultadas ante lo efímero del papel de periódico. Páginas que se convertirán, con el tiempo, en destellos amarillentos de un instante de nuestras vidas, y en las que se contienen textos que merecen esa salvación ante la que uno no puede evitar erigirse en juez. Una vez extraídas de su continente, el proceso es el siguiente: son convenientemente  dobladas y encerradas en algún libro de su mismo autor o colocadas en un mural para exhibición permanente de unas palabras que, el que esto suscribe, necesita tener presentes como un reconfortante e inspirador acompañamiento.

En ocasiones hay editoriales que tienen el tino suficiente como para convertir esta tarea íntima y artesana, sin duda propia de alguna desviación mental, en un libro, un recopilatorio de artículos que, en base a su indudable calidad, merecen componer por sí mismos un volumen y no aparecer espontáneamente cuando abres algún libro tomado de la estantería y del que se desprende esa hoja que comienza a marchitarse. En ocasiones surgen secciones que, con el paso de sus salidas a la luz, el lector ya las interioriza como parte de un futuro compendio, como un material que está pidiendo a gritos la conversión paulina del papel prensa al papel libro. Y esto es lo que ha sucedido con ‘Vidas de santos’, que la editorial Círculo de Tiza ha puesto en circulación con los personajes que durante meses han ido apareciendo en El Mundo firmados por Antonio Lucas.

Puedo abrir algún cajón al azar de los que me flanquean en este momento, meter la mano a ciegas, y sacar alguna página en las que ese retratista recoge la vida de un buen puñado de protagonistas de la cultura. Semblanzas de seres normalmente acosados por sí mismos, por su delirio creativo, por una sociedad ajena a ellos, pero a los que el tiempo y su trabajo, desde los más diferentes ámbitos de la creación: poetas, novelistas, cineastas, músicos... han ido definiendo con un pie entre las alabanzas a su trabajo y el otro pisoteando unas vidas repletas de unos conflictos sin los que, a buen seguro, no se podrían entender sus creaciones.

Además del olfato de Antonio Lucas para seleccionar a esos protagonistas, el autor hace emerger su capacidad para calibrar con la palabra a cada uno de ellos. Para rastrear y puntear los rincones oscuros, las bajadas a los infiernos, las simas desde las que parece imposible que se pueda emitir algún destello, y desde ahí, definir y, sobre todo, transmitir esas situaciones. Antonio Lucas es el mejor Ovidio para epopeyizar sus circunstancias, tan pegadas desde lo orteguiano a todos ellos. El periodista y poeta maneja la palabra como nadie en el espectro del periodismo cultural español (sí, les aseguro que eso existe), reverberando desde el lenguaje cada uno de los ecosistemas vitales de unos personajes repletos de matices, de giros vitales y con tensas relaciones con los demás. Asomarse a estos balcones es escudriñar en lo ajeno, pero con el placer de hacerlo por un camino gozoso, balizado por palabras silbantes, por expresiones que lustran todos esos brillos y por una perspectiva poética de la que el autor no puede (ni debe) desprenderse.

Así se van descorriendo los telones que les ocultan, de Rimbaud a Basquiat, de Gerda Taro a Jean Vigo, de Gala Dalí a Alejandra Pizarnik, de Jayne Mansfield a Anne Sexton, de Juan Luis Panero a Sánchez Ferlosio, una grey stendhaliana de la que uno es incapaz de recuperarse entre acto y acto, exhausto por el brío de la prosa y en el que asoman dos de los nuestros, Maruja Mallo y Carlos Oroza.

Pintora y poeta. Gallegos llegados a este mundo en Viveiro. Límite telúrico entre mar y tierra que hicieron de su diáspora física centro del compás en Madrid, una para reinar, antes del exilio, en la Generación del 27, y el otro para empotrarse en el Café Gijón. A Maruja Mallo y a la España de la época las sintetiza en una frase atribuida a la pintora: «Aquí la culpa de todo la tiene la ‘jodía’ mística», para recordar como hasta hace 20 años aun te la podías encontrar por las calles de Madrid, «LLevaba los ojos pintados locamente, como si mirase a través de dos murciélagos», y así en un devenir expresivo que ajusta la palabra a lo vivido, que secuencia lo sufrido y que registra salidas y entradas, conquistas y anécdotas. Mientras, al singular Carlos Oroza lo capotea como «el poeta que escribía prendiendo un barreno de dinamita», para bajar la mano y encelar al ‘beat’ patrio, «un tipo salvaje con esquelatura de astilla», «el druida de una civilización donde solo queda él en pie».

No se puede transcribir mejor la realidad, hasta el punto de convertir el caduco papel de un periódico, en un ring desde el que hacer guantes con las vidas de todos estos malditos que profesaron el desafío a la existencia como pócima estimulante para generar su capacidad de traducir el mundo desde una pluma, una cámara, una voz... en definitiva, desde el talento que les acompañó y al que condenaron su vida.

Todos estos santos ateos han encontrado aquí su santoral. La hagiografía didáctica de lo sucedido, revestida de un talento literario incapaz de contenerse en las páginas sin costuras del diario, ajenas a las tapas que delimitan una rayuela que Círculo de Tiza dibuja ante nosotros para que saltemos de una vida a otra, de un personaje a otro, de un santo a otro. Periodismo hecho literatura o literatura hecha periodismo, un fino alambre desde el que el equilibrista intenta sortear el vacío, ese mismo abismo al que muchos de estos santos se vieron abocados a la espera de una resurrección hecha ahora papel, hecha ya libro.

Publicado en Diario de Pontevedra 31/10/2015