¡Bendito descaro!

El estreno de la lucense Alba Carballal como novelista sorprende por su atrevimiento y por el brillante resultado de su escritura

SUCEDE CADA CIERTO tiempo que un aire fresco orea el armario de nuestra literatura. Esta es la sensación que uno tiene cuando llega al final de la lectura de ‘Tres maneras de inducir un coma’, novela editada por Seix Barral y que firma Alba Carballal (Lugo, 1992). En ella nos encontramos descaro, lucidez y una atractiva literatura que mezcla diversos componentes de géneros como la novela negra o la novela picaresca, enmascarados bajo un humor negro que enseguida nos conquista, al tiempo que nos asombra por cómo esta mujer arma la que es su primera novela.

En ella se nos cuentan los azares de Federico cuando recibe una llamada de teléfono en la piscina municipal de Chamberí y una oferta de trabajo le lleva a ejercer de improvisado espía en unos acontecimientos que se irán disparando y disparatando a lo largo del relato de una manera sorprendente. Alba Carballal nos presenta así a un pícaro, a alguien al que sólo su ingeniosa capacidad para sortear situaciones embarazosas le permitirá sobrevivir en un hábitat sumamente original y que facilita a la escritora detonar diferentes cargas de profundidad dirigidas a elementos de nuestra sociedad, como el propio ambiente de Madrid, las relaciones familiares, el universo de las amistades, la sexualidad, la política y, como no, el mundo literario. Todo ello a través de una escritura en permanente agitación que nos lleva del pasmo a la carcajada en una misma línea con su empleo del lenguaje, planteado de una manera tan natural que ejerce ese efecto de atracción en el lector. Cuando tantos autores se estrujan la sesera para proponer un lenguaje casi trascendental con el que evidenciar su poderío narrativo, Alba Carballal logra que la fluidez y naturalidad de su palabra sea capaz de transmitir situaciones y diálogos que nos llevan a una realidad nada impostada, a un espacio de ficción que podría ser perfectamente real, ante el disparate en que se está convirtiendo nuestra sociedad y que está detrás de la propia historia que se cuenta como un punzante aguijón a este guirigay en el que estamos inmersos.

Repleto de citas maravillosas de otros creadores la autora inserta su texto dentro de los diferentes pliegues de nuestra cultura. Cine, televisión, literatura, radio, música y hasta la Constitución generan el entramado en el que acomodar el relato, allí donde malear a ese Federico que, como un diablo cojuelo de la posmodernidad, va levantando los techos de Madrid para que podamos asomarnos a un costumbrismo almodovariano entreverado del agilipollamiento que se ha instalado en tantos estamentos de una sociedad cada vez más inane, como la de esta España.

Que Alba Carballal haya sabido enhebrar todo este «rosario de cuentas infelices», como cantaría Joaquín Sabina, en una primera novela, es algo que refrescará a unos lectores obligados a anotar el nombre de esta arquitecta de formación en su listado de escritores a seguir. En 2016 mereció una beca literaria de la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores de Córdoba, y allí desarrolló esta novela ácida y luminosa. ¡Bendita beca! ¡Bendito descaro!

Publicado en Diario de Pontevedra 27/03/2019

Fotografía: Alba Carballal en la presentación de la novela en la Fundación Antonio Gala de Córdoba (Salas/Efe)

O xornalismo de Johan Carballeira

Rue Saint-Antoine nº 170

Memoria. A editorial Laiovento, da man de Francisco Rodríguez Pastoriza, preséntanos unha impagábel escolma do traballo xornalístico de Johan Carballeira. Nome senlleiro na historia de Bueu, pero tamén no da dignidade, pola súa morte, fusilado o 17 de abril de 1937, sendo o último alcalde republicano dunha vila que defende hoxe a súa pegada.

O libro de Francisco Rodríguez Pastoriza no
monumento adicado a Johan Carballeira en Bueu.

Morreu asasinado polos rebeldes que quixeron axusticiar ao naquel momento alcalde republicano de Bueu. Con ese acto miserábel conseguiron espallar o medo e a represión, pero o que non conseguiron foi borrar da nosa memoria a súa afoutada presenza, o seu compromiso coa sociedade á que serviu, pero tamén á que tentou reflectir na súa obra poética e xornalística.

Da man dun xornalista de longo alento e nacido en Bueu, Francisco Rodríguez Pastoriza, chega a nós, editado por Laiovento, un imprescindíbel libro, 'A obra xornalística de José Gómez de la Cueva (Johan Carballeira)', co que coñecer o labor xornalístico de Johan Carballeira (Vigo, 1902- Pontevedra, 1937), un libro necesario para manter acesa aquela mirada que se reflectiu nas ondas tranquilas do mar de Bueu. «Qué hermosas sus quietas aguas/donde armoniosas proyectan/las sombras de la montaña/su majestad y grandeza», escribiu Johan Carballeira nun poema publicado no Faro de Vigo en 1914, titulado ‘El valle de Bueu’. Bueu será unha constante no seu traballo, non só como inspiración poética, senón como paisaxe humana dende a que desenvolver un traballo xornalístico no que salientaba o seu compromiso cunha serie de valores. O autor do libro os reflicte do seguinte xeito: «O xornalismo de Johan Carballeira é un xornalismo combativo na defensa daqueles valores que consideraba básicos e irrenunciables para a sociedade do seu tempo. A liberdade, o pacifismo, a cultura, o respecto polas persoas, a xustiza social, a defensa do idioma galego, o dereito á educación e a cultura, a loita contra os totalitarismos...». E así o vemos ao ir percorrendo os diferentes capítulos nos que Francisco Pastoriza divide o libro, e nos que atopamos os propios textos de Johan Carballeira, alcume con que firmaba José Gómez de la Cueva.

En 1915 chega a Bueu dende o seu Vigo natal, tras traballar en diferentes ocupacións para axudar na casa, comeza a publicar versos no Faro de Vigo en 1922, e artigos dende 1927 no diario El Pueblo Gallego. Tamén a prensa madrileña acolleu os seus artigos en cabeceiras como Ahora, Luz o El Sol, constituíndose así como unha das firmas máis salientábeis dos anos anteriores á Guerra Civil. «Eixí, a forma máis noxenta de ir descontra do pobo é ferilo no seu pensamento; na Prensa acesa, liberal e responsable donde respira saudablemente a cultura do pobo, ou sexa, a sustancia e a médula progresiva da vida». Deste xeito escribía Johan Carballeira no artigo ‘O respeto á prensa’ no ‘El Pueblo Gallego’ o 25 de abril de 1933, sobre as posibilidades do xornalismo, así como dos intentos de silenciar á prensa

Neses anos trinta e cun Johan Carballeira máis maduro o seu traballo xornalístico está inzado por elementos como o amor á terra e a cultura. Salientábel é o seu labor como xornalista cultural, o que poderíamos considerar como un traballo pioneiro na prensa do momento, ao estar moi interesado por temas como o teatro, o cinema ou a literatura, dos que falaba nos seus artigos. Pero Galicia e a súas posibilidades son o outro xermen do seu traballo. Tras entrar no Partido Galeguista ao mesmo tempo que Alexandre Bóveda, en 1934 foi elixido secretario do partido en Bueu, e en febreiro de 1936, tras a victoria do Frente Popular, nomeado alcalde. Coa sublevación militar tivo posibilidades de fuxir pero negouse sempre ante a súa confianza na xustiza e a súa inocencia en relación a calquera feito. O 15 de setembro, cando ía a entregar un artigo a Vigo foi detido no vapor no que cruzaba a ría.

Pechouse deste xeito, como en tantos outros lugares, un espazo para a esperanza do ser humano, ese mesmo polo que apostou Johan Carballeira na súa escrita, pero tamén cando tivo responsabilidades políticas, ao procurar mediar entre empresarios e traballadores, sobre todo do mar, para mellorar as súas situacións laborais. Bueu segue hoxe a honrar a este home singular, un premio de poesía e outro de xornalismo lembran esa faciana cultural. Un instituto e un monumento fronte ao mar manteñen o seu nome en pé de dignidade e agora, este libro, recupera as súas palabras nun labor extraordinario por parte do seu autor, Francisco Pastoriza, e da editorial por poñer en valor a memoria de Johan Carballeira. Gozos e sombras, como na novela de Torrente Ballester, inspirada directamente na vida daquel Bueu a celebrar.

Publicado no Diario de Pontevedra 25/03/2019

Feliz Idade

Foguetes verdes (21)
A palabra de Olga Novo cítanos no territorio físico da Pobra do Brollón para esculcar no paso do tempo, na herba que medra como raigame dunha xenealoxía que se perpetúa na súa filla

OS ELOS DA FAMILIA, semente dun espazo físico, son o alento deste poemario que deixa ao lector sen folgos cando chega ao seu remate. Unha lectura chea de matices, de forza e forzas telúricas que, partindo da propia terra, mestúranse coa capacidade do ser humano de amar. O amor que todo o enche, o amor polo pai, o amor cauterizado nunha filla. Dúas liñas temporais que son unha soa. Aí, xusto aí, é onde fica a poesía de Olga Novo (A Pobra do Brollón, 1975), como un fito vital, a sinalización dese tránsito do pai á filla e á neta.

É unha escrita coa tinta da emoción e sobre o gume da liña da vida, no que a poeta é quen de enlearnos pola contundencia dunha poesía que non deixa recantos para a distracción. A perda do pai e a chegada dunha filla colocan á nosa protagonista no medio dunha estirpe e no miradoiro que permite recuperar o amor infindo por quen marchou pero que deixou  a súa pegada nos camiños polos que pasou un tractor ou a oralidade dos poemas que xorden «cando o trigo se deita ante unha orde do vento». Dende ese miradoiro privilexiado recupérase unha memoria que se converte tamén no camiño da liberdade, da necesidade de ser amada e da celebración da Feliz Idade de Lúa, a recén chegada. O abrente dunha nova dimensión temporal que xorde do feito de parir, da chegada a ese territorio inzado de sentimentos como é a aldea, e que se amosa como a cápsula na que o latexo orgánico da familia resiste e mantén todo o seu sentido fronte ao exterior.

O poemario divídese en sete partes, unha estructura na que chegamos a entender unha certa fractalidade nese camiño, nese superar diferentes aneis da vida que se engurran entre si. Azares, estructuras, preguntas ou emocións súmanse para xerar ese itinerario convulso no que se hai unha realidade incuestionábel é a que vén dada pola terra e a nosa pertenza a ela. «Dei a volta e comín terra/só para coñecer o teu sabor/e o pracer mineral da miña lingua», escribe Olga Novo nun poema, ‘Amor fou’, que causa estremecemento e no que reflicte toda a súa existencia dende o apego a súa contorna, á familia e á unha lingua que quizais son todo a mesma cousa, a fiel dimensión na que se establece Olga Novo para sentir o que é estar viva e procurar acadar unha harmonía imposíbel de lograr sen a conxunción de todos eses elementos. Ese poema pecha o libro como unha fotografía en movemento na que rexistramos todo o que supón facer poesía, converténdoa no compás que resume o paso dunha persoa pola vida.

Dende 2011 non tiñamos novidades na poesía de Olga Novo. Oito anos que abofé son os que fixeron levedar esta ‘Feliz Idade’ de territorios e latexos, de familia e natureza que constrúen un libro que non semella un libro máis. Un esforzo dende a poesía por poñer palabra onde os sentimentos se preguntan a si mesmos sobre as súas canles para afirmarse como parte de nós mesmos. A palabra ponlle corpo a todo iso, a palabra é o refuxio amniótico fronte unha realidade exterior da que tantas e tantas veces paga a pena fuxir. «A poesía move obxectos na distancia», é o comezo dun deses poemas dos que un non se poderá afastar durante moito tempo. Nesa liña inicial a poesía revela a súa forza para nomear, pero tamén para sentir no noso interior como as cousas poden mudar dende ese rol da palabra.

‘Feliz Idade’ que Kalandraka edita dentro do seu selo poético ‘Tambo’, é a necesidade que tempos de ter na poesía un acubillo para sentir que o máis próximo a nós converxe cara a posibilidade de ser o que nos faga mellores, o que acade unha digna beleza sempre e cando nos demos conta do seu valor.

Publicado no Diario de Pontevedra/El Progreso de Lugo 22/03/2019

De xira

Foguetes verdes (20)
As celebracións do bicentenario do Museo do Prado chegan a Pontevedra da man dun cadro, dun espectacular retrato firmado polo Greco, que vivirá un mes no Museo de Pontevedra

É UN SÓ cadro pero é un cadro dun dos pintores máis sobresaíntes da historia da pintura. O retrato do médico Rodrigo de la Fuente de El Greco (Creta, 1541-Toledo, 1614) converterase ao longo do mes no que estará entre nós, nun marabilloso xeito de enfrontarse á pintura daquel pintor de orixe cretense e que se trasladou a Toledo cheo de influencias bizantinas e venecianas que soubo asimilar dentro dunha linguaxe singular fronte á de calquera outro pintor.

‘De xira por España’ é unha proposta feita dende o Museo do Prado co gallo das celebracións do seu bicentenario. A pinacoteca máis importante do mundo plantexa así a cesión dalgunha obra de especial relevancia dos seus ricos e variados fondos a diferentes museos de toda España, un por cada comunidade. En Galicia esa celebración chega o luns ao Museo de Pontevedra, non por casualidade, senón porque este ten como depósitos ata setenta e seis obras procedentes do centro madrileño, algunhas delas xa dende a mesma creación do Museo de Pontevedra en 1929.

A obra que se escolleu foi o retrato dun médico que se pintou entre 1582 e 1585. Un médico ao que as atribucións dende principios do século XIX relacionan co doutor Rodrigo de la Fuente, en base ao parecido que amosa con outro retrato ben identificado dese médico e que se atopa na Biblioteca Nacional. Pero o que tamén se sabe é que o doutor de la Fuente era amigo do pintor e un dos fillos do médico foi superintendente do Alcázar de Madrid onde se atopaba este cadro en 1686. Pasou logo ao Palacio del Buen Retiro en 1734 chengando ao Museo do Prado en 1819. A importancia que se lle daba a este lenzo reflíctese no dato de que en 1833 era o único cadro do Greco exposto no Muso do Prado, mentres os demais estaba agochados nos seus almacéns.

O retrato segue a maneira clásica, con raíces venecianas, territorio que coñecía ben o pintor ao pasar alí tres anos. Naquel espazo encheuse dos postulados renacentistas abandoando o primitivismo ou a rixidez orientalizante da súa terra natal en favor dun maior naturalismo. A outra gran achega de Venecia á súa pintura foi a cor, da que xa non se puido liberar o resto da súa vida, e así nos seus cadros a cor xorde como un lóstrego de luminosidade.

O retrato, como gran xénero da pintura, aquí interprétase de maneira maxistral. Un home xa maior, vestido á maneira da época, de negro e cos puños e ‘gorgera’ brancos, apoia a súa man sobre un libro, abofé un tratado de medicina, símbolo do seu labor e do seu coñecemento. Tamén a sortella que leva no seu dedo pulgar é outro símbolo médico, xa que con esa xoia se medía o pulso do paciente. A calidade do lenzo é evidente, a capacidade do pintor por captar os rasgos do representado dan boa conta do maxisterio de quen fixo do retrato unha das súas grandes achegas á historia da pintura. Non só en retratos individuais, senón nos seus grandes cadros colectivos, como pode ser o famoso ‘Enterro do Conde de Orgaz’, os personaxes non son só recheo, senón que adoitan ser figuras da época e da súa sociedade.

O cadro non estará só no Museo de Pontevedra xa que xunto a el situaranse dous lenzos. ‘A expulsión dos mercaderes do templo’ e ‘San Pedro e San Pablo’. O primeiro unha copia saída do propio taller do Greco e o segundo un cadro que estivo, nalgún momento, atribuído ao fillo do pintor e que foi o seu discípulo.

Ata o 21 de abril podemos gozar deste Greco en terras galegas que vense a sumar aos dous cadros do pintor que se gardan no Colexio do Cardenal en Monforte de Lemos, un ‘San Lorenzo’ e un San ‘Francisco’.

Publicado no Diario de Pontevedra/El Progreso de Lugo 15/03/2019

«La poesía es un lenguaje con voltaje, exige competencia lectora »

Su poemario ‘Suavemente ribera’ ha logrado uno de los principales galardones de un género siempre necesario para aclarar la realidad. El ganador del Premio de Poesía Generación del 27 participa hoy en el encuentro ‘6 días, 6 poetas’ en la Casa das Campás a las 20.00 horas

Sigue Pontevedra enredada en la tela de araña de la poesía. Envuelta en sus sedosos pero firmes hilos para intentar desentrañar la realidad desde la palabra. Tras Andrés Trapiello, Susana Benet y Pilar Pardo, esta tarde, Antonio Manilla (León, 1967), presentará en nuestra ciudad una poesía del «qué y del cómo», en la que el fondo y su presencia forman parte de una manera de entender una poesía luminosa, que nos llevará a su territorio natural leonés para recrearnos en temas tan firmes en la poesía como en nuestras propias vidas: la muerte frente a la vida, el paso del tiempo o la importancia del camino.

¿Cómo define Antonio Manilla su poesía?

Dentro de las clasificaciones que se suelen hacer de la poesía estaría dentro de una poesía figurativa, lo que Luis Alberto de Cuenca define como una «poesía clara», pero con matices, evidentemente. Una poesía elaborada, que busca tanto el placer del qué y del cómo, como decía Umberto Eco. Que no sea sólo una expresión de afectos o sentimientos, sino que estén expresados de una manera literaria, con voluntad de estilo.

¿Qué papel considera debe desempeñar la poesía en la sociedad de hoy?

Creo que el de siempre. La poesía no debe tener más o menos relevancia que la que de por sí tiene como un género literario, probablemente el más alto de la literatura y, al mismo tiempo, el menos difundido, ya que el acceso a ella exige cierta competencia lectora. Es un lenguaje concentrado, con voltaje, y exige del lector que sea activo y ponga mucho de su parte. Eso no quiere decir que sea oscura. María Zambrano decía que «la poesía había nacido como ímpetu hacia la claridad», como forma de explicar el mundo.

Un cierto tipo de poesía ha encontrado acomodo en las redes sociales. ¿Merece la pena incorporar lectores a la poesía a partir de esa que surge de Twitter?

El fenómeno de la poesía desde las redes sociales y las tremendas ventas que han visto algunas editoriales, que nunca habían publicado poesía, creo que tiene más que ver con el mercado. Octavio Paz decía que «la poesía no tiene público, tiene lectores», y las redes sociales lo que están consiguiendo es público, son cosas diferentes. Lorca también decía que «la poesía no genera adeptos sino amantes».

¿Cómo gestiona usted el anclaje de su poesía con la tradición para  aproximarla al lector?

Esa creo que es precisamente la razón por la que cualquiera hace poesía. Los temas de la poesía, son recurrentes, el amor, la muerte, el paso del tiempo... lo que te lleva a escribir es precisamente esa forma de expresar esos mismos sentimientos. Cada tiempo exige unas voces y unos poetas que actualicen esos temas eternos de la poesía a su tiempo.

Su poemario ‘Suavemente ribera’ ha logrado el Premio Generación del 27 y acaba de ser editado por Visor. ¿No le impresiona el verse ligado a toda esa Generación?

Sí, absolutamente. Es un honor que me hayan dado este premio, tanto por el jurado que lo compone como por los ganadores anteriores. En el libro incluso hay un par de poemas que llevan unas iniciales que pertenecen a poetas del 27, no lo hice a propósito, sino que coincidió que esos poemas llevaban una cita de Gerardo Diego y de Jorge Guillén. Es lo que hablábamos antes de la tradición, hacer un poema a partir de alguien.

¿Cuál sería su poeta preferido entre esa constelación de genios?

Me parece que sobresale de manera destacada Luis Cernuda, pero también considero muy interesantes a Gerardo Diego o a Jorge Guillén, que entiendo está muy desplazado respecto al resto.

¿Qué nos encontramos en ‘Suavemente ribera’?

Es un libro muy trabajado, con cinco partes en el que tiene una gran presencia la muerte, pero a través de la muerte demográfica de los pueblos. La parte central del libro habla de ese tema desde símbolos y requiebros, pero remata de una forma auroral y luminosa. No es una poesía triste, es elegíaca.

Es la suya una poesía de un lenguaje muy cuidado y con un papel muy importante de la naturaleza. ¿A qué obedece?

Aunque vivo en ciudad, en casi toda mi poesía tiene un papel muy importante la naturaleza: los ríos, los árboles, los pueblos. Un libro anterior se titula ‘El lugar en mí’, una reflexión muy clara sobre mi tierra, la montaña de Léon. Tengo una gran influencia de los poetas impresionistas en los que la naturaleza es central. En la tradición española también es muy rica esta presencia: Miguel D’Ors, Andrés Trapiello, Antonio Colinas...

¿Qué se va a encontrar la persona que asista hoy a su recital?

He preparado un breve resumen de mis libros anteriores, que son siete u ocho, un par de poemas de cada uno de ellos, y después me centraré en este nuevo libro que acaba de ser editado en Visor lo cual para mí también es muy importante por lo que supone esta colección en la poesía española.

Publicado en Diario de Pontevedra 14/03/2019

Fotografía. El poeta Antonio Manilla (Alejandro Maestro)

Soños

Foguetes verdes (19)
O Centro Portugués de Fotografía no Porto acolle a mostra ‘Soños’ do fotógrafo Miguel Vidal. Unha búsqueda no «outro lado» de personaxes e peles activado dende un universo onírico

OS GROSOS muros de pedra do que foi o antigo cárcere do Porto acolle, ata o 5 de maio, a exposición de Miguel Vidal ‘Soños’. Unha recuperación de todo un universo onírico que o fotógrafo pontevedrés configura dende unha chea de personaxes e a creación de tres atmosferas que artellan unha sorte de relato visual.

Fotografía en cor, fotografía en branco e negro. Unha diversidade de matices formais que non lle preocupan a Miguel Vidal á hora de poñer ante nós todo un amplo escenario de personaxes recuperados do lado máis íntimo da vida, do outro lado, desa procura, a través de redes sociais ou de amizades que, pouco a pouco, súmanse a un proxecto creativo, dende o fotográfico, que con cada exposición incrementa as súas sensacións fronte ao espectador.

Creada orixinariamente para o Museo de Pontevedra, en cuxas salas amosouse no ano 2017, a súa chegada ao Porto, a un espazo tan singular como este, pola división dos seus espazos, plantexou unha revisión da propia exposición e da súa aproximación ante o visitante. Os tres escenarios Miguel Vidal plantexaos como tres atmosferas nas que se moven os seus personaxes: Meeting point, Room 111 ou The farm, compoñen aquí un tríptico dunha enorme forza visual que permite diluír esa fronteira que separa a intimidade do ser humano da teatralidade da vida. Miguel Vidal achégase dende a súa cámara ás palabras de Susan Sontag para entendela como a «arma ideal da conciencia», isto é, o medio co que o fotógrafo captura unha imaxe que lle serve para recuperar os seus soños. A fotografía desterra os medos, as inquedanzas ou as dúbidas para, dende o corpo, a través da pose ou do xesto, subvertir esa domesticación dun mundo que cada vez máis tenta o noso sometemento.

Neses tres ambientes a persoa emerxe coa súa liberdade, coa aceptación plena de como é cada un. Unha habitación de hotel, a natureza, ou un espazo intermedio entre ambos, como pode ser unha granxa, son o acelerante desas situacións individuais e as que fan forte o corpo ante as feblezas que a sociedade pretende xerar nas nosas mentes.

Dicía Luis Buñuel: «Dádeme un par de horas de vida activa e o resto de soños, coa condición de que logo poida recordalos». Sabía o director de cine aragonés da importancia do subconsciente para xerar imaxes e das posibilidades que ese universo permite para un artista. Cando Miguel Vidal busca nos milleiros e milleiros de fotografías que fixo dende que arrincou este proxecto busca un deses soños, unha desas imaxes convocadas a unha nova realidade que compartir con nós. Eses corpos vanse pouco a pouco mimetizando co espazo no que son enxeridos. Superficies que os acollen como un anaco de vida. Espidos sobre unha moqueta dunha habitación de hotel ou envoltos por uns plásticos que se enchen de vento na costa. En definitiva, organismos que procuran un espazo de liberdade, a conquista dun eu que ten na fotografía a notaria desa loita por saír da escuridade.

E todo iso acádase cunha enorme calidade técnica, unha fotografía coidada ata o límite, na que todo o que conflúe no resultado final: encuadre, imaxe ou soporte xeran a excelencia do resultado, ese que converte ao visitante nun camiñante máis por ese itinerario de soños que agora, entre muros ás orelas do Douro, volven a latexar como unha afoutada experiencia para superar a ‘raia’, para xerar unha obrigada relación entre dúas cidades cheas de pulos culturais como Pontevedra e Oporto, unidas pola fotografía de Miguel Vidal, unidas pola necesidade de toda cidade de soñar para facer soñar aos seus habitantes.

Publicado no Diario de Pontevedra/El Progreso de Lugo. 8/03/2019

Narciso pontevedrés

La directora Marta Pazos estrena hoy, en el Teatro Español de Madrid, la ópera ‘Je suis narcissiste’, otro hito en su fulgurante carrera

LA COMPAÑÍA TEATRAL que Marta Pazos (Pontevedra, 1976) dirige junto a Hugo Torres y José Díaz, ‘Voadora’, se ha constituido a lo largo de estos últimos años, y a través de representaciones como ‘Tokio 3’, ‘Waltz’, La ‘Tempestad’ o ‘Calypso’, como todo un referente en la siempre necesaria estimulación del teatro que se hace en Galicia, a través de un brillante engranaje entre la tradición y una puesta en escena adaptada a los nuevos usos del público al que se reclama de nuevo como esencial ante la obra teatral. En los últimos años la vida de ‘Voadora’ se ha agitado de una manera impensable para una compañía modesta que ha hecho del talento y la creatividad de todos sus componentes un catalizador de nuevos proyectos. Su revisión del ‘Don Juan’ con actores aficionados mayores de sesenta años, o la obra ‘Garage’, en la que las que se suben a la escena son un grupo de trabajadoras de la fábrica Citröen de Vigo, que llegó a representarse en el Centro Dramático Nacional, son prueba de ello.

Son jalones en la carrera de una mujer con los que poco podría soñar aquella niña que creció en nuestra ciudad, y que la llevan a estrenar una ópera en el Teatro Español de Madrid en cooperación con el Teatro Real y el Teatro LLiure. Un espacio reservado para muy pocos, para los mejores, sin duda. Entre el 6 y el 10 de marzo ‘Je suis narcissiste’ le permitirá a Marta Pazos debutar en el territorio de lo lírico. ¿Pero quién dijo miedo? para una mujer en la que cada una de sus obras se presenta como un desafío, no sólo desde lo profesional, con nuevos retos estéticos y conceptuales que plantear; sino desde lo personal, con la conciliación de esa inmensa carga de trabajo con el papel de madre. Una heroicidad que, como tantas mujeres de este país, nunca se pone en consideración más allá de estos días violetas de marzo en los que el foco se suele ubicar ante este tipo de contingencias personales. Estamos, además, ante una obra que tiene mucho de femenino, ya que no sólo Marta Pazos, sino que nombres tan destacados de nuestra cultura como Helena Tornero, quien aquí se encarga del libreto, o Raquel García de Tomás, autora de la música, cobran protagonismo en un Teatro gestionado por una mujer, Carme Portaceli.

Con esta ópera cómica Marta Pazos se enfrenta a su propio universo actoral a través de una reflexión sobre el ego en estos tiempos en los que la imagen condiciona sobremanera nuestros propios comportamientos. Un narcisismo que nos hace estar más pendientes de nuestro propio reflejo que de lo que podemos aportar a la sociedad por lo que somos. Vanidad, caricatura, deformación, en definitiva, hablamos de volver a situarnos ante los espejos cóncavos valle-inclanescos, recuperando así aquello que decía Max Estrella: «Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento», y todo ello para comprendernos un poco mejor en este mundo disparatado. Un mérito que se logra desde esta Galicia tan llena de talentos que, cuando tienen la oportunidad de desarrollarlo en unas condiciones no tan agónicas como en las que se acostumbran a manejar por esta tierra, deslumbran allá donde van, y en eso está Marta Pazos, en deslumbrar al mundo.

Publicado en Diario de Pontevedra 6/03/2019

Foto: Marta Pazos, abajo, entre Helena Tornero y Raquel García de Tomás, autoras del libreto y la música, respectivamente. (Nico Rodríguez/Efe) 

Afinidades

Foguetes verdes (18)

A décima edición de ‘Afinidades selectivas’ plantexa un relevo xeracional así como unha homenaxe aos creadores e profesores de Belas Artes que precederon aos que hoxe participan nela

(Fotografía: José Chas)

DEZ ANOS para calquera proxecto artístico que se manteña vixente é unha sorte de milagre. A continuidade dunha idea, o plantexamento dunha reflexión nun eido, o cultural, cada vez máis ameazado pola nosa sociedade, e algo do que nos temos que sentir ben orgullosos, ao tempo que felicitar aos seus promotores por manter viva esa ilusión colectiva arredor da creación artística.

Se a apertura dunha Facultade de Belas Artes e as sucesivas fornadas de alumnos que dela saíron mudaron a paisaxe creativa de Galicia, nunca está de máis impulsar a reflexión sobre ese papel que alumnos e profesores tiveron ao longo dos anos no intercambio de ideas e na resolución de problemas que xorden arredor do artístico.

Dez anos da posta en marcha deste achega expositiva, e case trinta dende a implantación da Facultade en Pontevedra, ‘Afinidades selectivas’, integra no seu plantexamento xenérico ese outro elemento temporal de maneira que tódolos mestres desta edición son exalumnos da propia Facultade. Persoas que comezaron alí os seus estudos, os remataron, e ocupan agora o lugar cara o que tantas horas miraron dende os seus postos. Xunto a esa circunstancia que marca esta edición engádeselle a homenaxe aos dous mestres falecidos de xeito recente, Manuel Moldes e Berta Cáccamo, quedando as parellas compostas por Fruela Alonso e Manuel Moldes, Itziar Ezquieta e Berta Cáccamo, Cristian Grandín e David Fidalgo, Begoña Paz e Román Corbato e Covadonga Barreiro e Carmen Rojo como as que activan esa afinidade no proceso das relacións artísticas.

Este relevo xeracional vai a levar con el tamén un cambio de linguaxes, unha diversidade formal que se artella dende o diálogo pero que medra dende as máis diferentes manifestacións que poden ir do máis tradicional debuxo ata a vídeocreación, xerando así un espazo ecléctico. Cristina Varela, a comisaria da mostra, apunta a esa «multidisciplinariedade das propostas» como un dos trazos esenciais desta exposición na que tamén se plantexa ese «paso adiante dos que asumiron o facer e o ensinar». Verbos que son inseparables dos diferentes procesos que medran dentro do centro académico. Profesores que ademais de selo desenvolven o seu labor como creadores, artistas sometidas a unha disciplina académica que xera unha tensión co propio acto da creación.

Esa tensión é a que se mantén entre as diferentes parellas da exposición, así entre Itziar Ezquieta e Berta Cáccamo a pintura evoca esa sensación de afinidade dende a propia expansión da pintura a través dunha montaxe que fala de pasado e presente, así como de lugares habitados nos que se rescata a pegada humana. Fruela Alonso e Manuel Moldes suxiren o xesto do pintor, a importancia da materia e o traballo arredor dela. Un goce que non entende de tempos e de ausencias, sendo a materia a propia concreción do artista. A vídeo-proxección de Covadonga Barreiro e a fotografía de Carmen Rojo provocan a exaltación da paisaxe interior. Dous medios para mergullarse alí dentro, onde reside o noso verdadeiro eu. Cristian Grandín e David Fidaldo tamén fan unha confluencia de xéneros, animación dixital e acrílico sobre papel, un debate aberto entre a tradición e o trazo en movemento, no que hai espazo para a reflexión sobre as cuestións de xénero e o humor. Mentres, Begoña Paz e Román Corbato traballan no eido cotiá da convivencia, nunha produción que plantexa o papel didáctico da arte.

Afinidades que reflicten a vida no interior das aulas, e como o tempo xera un relevo que alimenta ese ecosistema singular.

Publicado no Diario de Pontevedra/El Progreso 1/03/2019

Espejos rotos

‘Primeras personas’ hace de la memoria de Juan Cruz un recorrido por su rica experiencia profesional en el encuentro con escritores

ACOSTUMBRA el tiempo a hacerse añicos, a fragmentarse desde nuestra memoria y desde una experiencia vital en la que la fractura es parte irrenunciable de ella. Juan Cruz se asoma a esos espejos rotos, a esos desgarros que la vida deja en nuestras propias imágenes, y para ello se vale de ese universo en el que tantos somos felices encontrando el desahogo cuando la vida aprieta: la escritura.

La vida de Juan Cruz es una vida conectada al respiradero del periodismo y la literatura, haciendo siempre equilibrios entre esa línea difusa que separa o une ambos territorios que tantas veces se han mostrado como uno solo. Muchos de los libros de Juan Cruz son itinerarios por esa vida, jalones que va sumando a través del impresionante encuentro con infinidad de escritores de todos los rincones del mundo y de diferentes épocas. Autores de los que hemos devorado libros, pero a los que Juan Cruz ha tenido la fortuna de mirar a los ojos para comprender mejor aquello que han escrito.

Quizás, en esos mismos ojos, entrevista tras entrevista, se ha visto reflejado el autor de ‘Primeras personas’ (Alfaguara) viendo pasar su propia vida, pero viendo también cómo se han ido forjando anclajes irrenunciables a lo largo de ella. Momentos, amistades, personalidades y sentimientos que han ido confluyendo en la sutura de esos espejos rotos ante los que la vida nos coloca de cuando en cuando. Juan Cruz nos lleva de la mano hacia todos esos autores en un listado que deja al modesto lector con la boca abierta por todo lo conocido, pero que rápidamente cierra para saborear las impagables anécdotas que se reúnen a lo largo de todos esos encuentros, como aquel que le contó Carlos Fuentes cuando éste citó a los que consideraba los tres mejores escritores argentinos en un encuentro con Ernesto Sábato en un café de París y que para él eran Borges, Cortázar y el propio Sábato. Palabras tras las cuales Ernesto Sábato exclamó: «¡Gracias por citarme en último lugar», saliendo del café en el que estaban bastante alterado, mientras Carlos Fuentes lo seguía diciéndole que «¡Era por orden alfabético!».

Y como esta tantas otras situaciones en las que el lector disfruta ante el gran reportaje de la vida que es este libro. Esta expresión tan redonda no crean que se me ha ocurrido a mí, ya que es parte de un titular que el propio Juan Cruz dejó colgado en este periódico horas antes de la presentación de su anterior libro, ‘Un golpe de vida’, en Bueu, de la mano del entusiasta e imprescindible librero (como todos) Fernando Miranda. «La vida es un reportaje que no se acaba nunca», decía aquel titular, y es que cada libro de Juan Cruz responde a esa inquietud arrullada desde los alisios canarios de la infancia. Esos vientos todavía hoy mueven su memoria, sacudida, una vez más, con esta escritura, aunque en esta ocasión frente a un espejo ante el que mirarse, un espejo en el que en ocasiones los cristales se rompen como parte de los peajes que impone la vida, pero ante los que emerge el bálsamo de la palabra, el compromiso con una profesión y con una manera de entender la amistad que son, al fin y al cabo, las razones que fluyen entre toda esta constelación de escritores e instantes que han quedado depositados, primero, en una mirada, después en un corazón y ahora en un libro.

Publicado en Diario de Pontevedra 27/02/2019

Fotografía. Juan Cruz reflejado en un espejo (J. Guillén. Efe)